CPE3. CLÁSICA PARA ENTUSIASMAR 3

Instrumentos del Antiguo Egipto. elconlienzo.files.wordpress

Más de 30 melodías contiene esta entrada con -a mi parecer- la mejor música clásica para niños. Hay otras tantas en el primer blog (musicaenlaescuelafiesta.blogspot.com/2011/12/clasica-para-entusiasmar.html) que, ya pasó DEL MILLON DE VISITAS. Y algo semejante en el segundo blog. (https://musicaenlaescuelafiesta2.blogspot.com/2015/07/cpe2-clasica-para-entusiasmar-ii.html), cifras entusiamantes por el servicio que se presta a los docentes. Es una alegría enorme ver que hay tanta gente en el mundo aprovechando todo ese trabajo que uno pensó primero sólo para Uruguay, pero que al ponerlo en Internet alcanzó una dimensión planetaria.

Haciendo clic en MELODIAS PROPIAS DE ESTA ENTRADA pueden ver el listado de las mismas, en este 3er blog. y -YA MISMO, AHORA- al hacer clic en la referencia abreviadaen esta lista, de la melodía que les interese, les llevará a todos los datos de la misma.
Haciendo clic en el listado de las MELODIAS CLASICAS EN LOS 2 BLOGS ANTERIORES, podrán ver -YA, HOY MISMO- todo el listado, con sus referencias abreviadas. En los 3 blogs, las melodías son versiones muy atractivas, divertidas, en general. Se trata de clásicos con sorpresa, con intérpretes y versiones muy curiosas.

¿Música clásica?

Orquesta de Viena, en Musicarte

Hay quienes tienen un poco de aprensión con la música clásica. Es verdad que muchas veces es muy larga, como medio estirada y de cuello duro, propia de una cultura occidental, y de otros tiempos. Se piensa que para entenderla e interpretarla hay que estudiar años y años, antes de tocar una sola nota. Es verdad también, que hay quienes consideran que sólo la música clásica es MÚSICA, que todo lo demás son minucias, que obras, autores e intérpretes de esa música son sagrados, intocables.
Pero también es verdad que los oídos humanos se habitúan a una pequeña parte de los sonidos, y los nuestros, en el RÍo de la Plata, están tupidos casi exclusivamente de cumbias. Y que estamos ignorando melodías maravillosas, de una riqueza excepcional. Pienso que disfrutar de la música clásica no es un placer exclusivo de los mayores.
Aún así, estas entradas tienen sus acentos, que hemos tratado de completar, con la música sinfónica de raíces folklóricas hispanas, indígenas y afroamericanas. Y con la música instrumental y vocal antigua de todos los continentes.

Propuestas para poner la música clásica al alcance de los más peques: http://rz100arte.com/opera-ninos-wagner-al-alcance-los-mas-pequenos/. http://rz100arte.com/musica-clasica-ninos-schubert-al-alcance-los-mas-pequenos/.

MELODIAS PROPIAS DE ESTA ENTRADA

ALGUNOS PLANTEOS DIDÁCTICOS

cpe3.0001. POR QUÉ LA MÚSICA ES TAN IMPORTANTE EN NUESTRA VIDA. Jose Manuel Zapata. España. 2019. Eva. G. Música y nosotros.
cpe3.0002. CÓMO ESCUCHAR ACTIVAMENTE MÚSICA CLÁSICA. VVAA. España. sXXI. Eva. M/G. Didáctica. Entrevista.
cpe3.0003. CÓMO PUEDE UN PROFESOR CAMBIAR LA VIDA DE UN NIÑO. Benjamin Zander. USA. sXXI. EVA. G. Didáctica. Charla.
cpe3.0004. MÚSICA CLÁSICA EN DIBUJOS ANIMADOS. USA. sXX. Eva. T. Cine. Instrum.
cpe3.0005. CHOPIN EN DIBUJOS Animados. USA. 1946. Eva. T. Cine. Instrum.
cpe3.0006. ¿ERES MUSICAL?. L Bernstein. USA. 1958. M/G. Eva. Didáctica, instrum.
cpe3.0007. EL SONIDO DE UNA ORQUESTA. Leonard Bernstein. USA. 1958. M/G. Eva. Didáctica, instrum.
cpe3.0008. GUSTAVO DUDAMEL. Venezuela. Actual. Eva. M/G. Instrum.
cpe3.0009. LA DAMA DEL NÚMERO 6. Alice H Sommer. 2012. Eur. Eva. G. Hist. Música.
cpe3.0010. CÓMO HACER UN RAP. Enrique Cerezo. España. 2016, M/G, creatividad.
cpe3.EMed. AY LINDA AMIGA. CEIP Huertas viejas. Esp. 2016. Eva. M/G. Coreogr. Clásica.

SIGLO XVIII

cpe3.1700. BARROCO MISIONAL. Bolivia. Siglo XVIII. Eva. M/G. Barroco. Pueblos.
cpe3.1705. ZARABANDA. Haendel. Alemania. Aft. M/G. Instrum. Danza.
cpe3.1717. MÚSICA ACUÁTICA. Haendel. Alemania. Eva. M/G. Instrum. Natura.
cpe3.1740. 4 FLAUTAS de madera. JS Bach. Alemania. Eva. Adt. G. Instrum. Barroco.
cpe3.1777. SERENATA en DO. Andante. Haydn. Austria. Eva. Adt. G. Instrum.
cpe3.1783. VERANO 4 estaciones. Vivaldi. Italia. Eva. M/G. Instrum. Barroco
cpe3.1784. CUARTETO LA CAZA. Mozart. Austria. Eva. M/G. Instrum.

SIGLO XIX

cpe3.1808. SINFONIA PASTORAL. Beethoven. Alemania. Eva. M/G. Clásica. Natura.
cpe3.1808. 5ª SINF, 1er mov. Beethoven. Alemania. Eva. M/G. Clásica.
cpe3.1829. OBERT GUILLERMO TELL. Giacomo Rossini. Italia. Eva. Adt. M/G. Opera. Histor.
cpe3.1840. VA PENSIERO. Giuseppe Verdi. Italia. Adt. G. Opera. Patria.
cpe3.1867. NOCHE EN MONTE PELADO. Moussorgsky. Rusia. Eva. M/G. Instrum. Cuentos.
cpe3.1874. BALLET DE LOS POLLITOS. Musorgsky. Rusia. Eva. G. Instrum. Natura.
cpe3.1879. MARCHA FÚNEBRE PARA UNA MARIONETA. Gounod. Fr. eva . adt. Todos. Clásica, Juguetes
cpe3.1890. CLARO DE LUNA. Claude Debussy. Francia. Eva. M/G. Clásica. Natura.

SIGLO XX

cpe3.1905. VALENKI. Anastasia Tyurina, balalaika. Rusia. 2018. Eva. M/G. folEU, Instrumental.
cpe3.1928. BOLERO. Ravel. Francia. adt. G. folEu. Instrumental
cpe3.1933. CONCIERTO DE ARANJUEZ. Joaquín Rodrigo. España.  adt. G. folEu. Instrumental
cpe3.1936. DANZA DE LOS CABALLEROS. S Prokófiev. eva. M/G. FolEu. Instrumental.
cpe3.1950. DANZAS DE MARINEROS. Ballet Igor Moyseev. Rusia. 2013. eva. M/G.FolEt. Instr.
cpe3.1961. AMÉRICA. West Side Story. L Bernstein. USA. 1961. Eva. G. musical. folAm.

ALGUNOS PLANTEOS DIDÁCTICOS

En El País, de Madrid

cpe3.0001. POR QUÉ LA MÚSICA ES TAN IMPORTANTE EN NUESTRA VIDA. Jose Manuel Zapata. España. 2019. Eva. G. Música y nosotros.

Extracto: youtube.com/watch?v=1QP5QzqdU2M.
Versión Completa: “Los niños deberían aprender canto, es el instrumento más emocional”. JM Zapata, tenor. https://www.youtube.com/watch?v=R12d0-Ukv5s.

Su contacto con la música llegó tarde, pero su carrera como músico ha sido meteórica. El tenor granadino ha pisado los principales teatros de ópera del mundo, desde el Teatro Real al Metropolitan de Nueva York, pero decidió cambiar el rumbo de su carrera para acercar la música clásica a una audiencia más amplia. “El problema es que no hemos sabido cómo llegar al público contemporáneo, los auditorios están muy envejecidos”, se lamenta Zapata.
Este inusual tenor se ha renovado como director de orquesta y monologuista en espectáculos sinfónicos irreverentes en los que une el humor, con la música clásica y contemporánea. Cree en lo que hace y llena auditorios en base a un concepto sencillo: “La buena música es atemporal y no responde a clichés o catalogaciones estilísticas, simplemente es buena música”. ‘Tango mano a mano’, ‘Concierto para Zapata y Orquesta’ o ‘From Bach to Radiohead’, son algunos de los títulos de sus espectáculos. Montajes que tienen la música clásica como protagonista, pero desde un planteamiento poco habitual, liberada de los corsés y los tópicos que, según él, a menudo la envuelven. https://aprendemosjuntos.elpais.com/especial/por-que-la-musica-es-tan-importante-en-nuestra-vida-jose-manuel-zapata/?fbclid=IwAR2dt897Agv8Co_GlIgqTLPNdLj9To-MMSg8Dbmz_q21Zupbb-h87ljj4Pc. Allí también encontramos la transcripción de la charla completa.

Eso es participar con entusiasmo

cpe3.0002. CÓMO ESCUCHAR ACTIVAMENTE MÚSICA CLÁSICA. VVAA. España. sXXI. Eva. M/G. Didáctica. Entrevista.

Para los interesados en esta cuestión, recomendamos hacer clic en las siguientes páginas:
ESCUCHANDO CON LA IMAGINACIÓN. M Jesús Camino: 
https://musicaenlaescuela-fiesta.blogspot.com/2011/12/clasica-para-entusiasmar.html#cpe101a.
AUDICIÓN, LENGUAJE, MEMORIA. Pilar Camacho, en: https://musicaenlaescuela-fiesta.blogspot.com/2011/12/clasica-para-entusiasmar.html#cpe101b.
COMO ESCUCHAR DE VERDAD: https://musicaenlaescuelafiesta2.blogspot.com/2014/04/algunos-planteos-didacticos-ii.html#apd206.

captura de pantalla

cpe3.0003. “COMO PUEDE UN PROFESOR CAMBIAR LA VIDA DE UN NIÑO”. Benjamin Zander. USA. sXXI. EVA. G. Didáctica. Charla.

Versión y video de la entrevista completa, en: https://aprendemosjuntos.elpais.com/especial/como-puede-un-profesor-cambiar-la-vida-de-un-nino-benjamin-zander/.
Video extractado: https://www.youtube.com/watch?v=OEMwlv42gpk&ut=.
Imperdible la charla en TED titulada “Música y Pasión”: ted.com/talks/benjamin_zander_on_music_and_passion?language=es.

Realizó su primera composición con tan solo nueve años. Hoy, el octogenario Benjamin Zander, está considerado uno de los directores de orquesta más prestigiosos del mundo y el mayor especialista en la obra de Gustav Mahler. Fue discípulo de Benjamin Britten, Imogen Holst y del famosísimo chelista Casals. Aunque Zander se ha convertido en un maestro con identidad propia, convencido de que “la música trata sobre el amor, sobre la expresión, sobre la libertad, sobre la alegría”. Por eso antes de elevar su batuta, antes de cada concierto, da una charla a la audiencia en la que comparte las historias que se esconden detrás de las composiciones y en las que, además, transmite su amor por la música. “La música clásica eleva al ser humano para ser la mejor versión de sí mismo”, asegura.
Actualmente dirige la Orquesta Filarmónica de Boston y su filial juvenil. Músicos a los que inculca su pedagogía: “La técnica no es el objetivo final, el objetivo final es el amor, es la expresión, la comunicación, el contacto, la comunidad”. El músico inglés es también autor de varios libros entre los que destaca el superventas ‘El arte de lo posible’.
¿Cuál sería la última pieza que le gustaría dirigir? En la respuesta de Benjamin Zander se resume su pasión como una actitud ante la vida: "La ‘Novena Sinfonía de Mahler’, porque es una despedida que expresa la gratitud por estar vivo”.

cpe3.0004. MÚSICA CLÁSICA EN DIBUJOS ANIMADOS. USA sXX. Eva. T. Cine. Instrum.

En Diario La Hora

Rabbit, pato Donald, ratón Mickey, pato Lucas. Tom y Jerry y otros interpretan a Franz List, en su rapsodia húngara nº 2: www.youtube.com/watch?v=IrASRK6Um78; https://www.youtube.com/watch?v=R1laz-7C2KM.
Tom y Jerry en la Marcha turca de Mozart: youtube.com/watch?v=1d0tujch3Mk. Bugs Bunny dirige un tenor de ópera: youtube.com/watch?v=Zy5f87-kI8c. Rapsodia in Blue en Fantasía 2000: youtube.com/watch?v=qWJ-kGuOA_Q. Danza de las horas, (Disney): youtube.com/watch?v=2RGrCyDAVuk. youtube.com/watch?v=FTlnV6_uaK4. Marcha fúnebre de la marioneta, Gounod: https://www.youtube.com/watch?v=m1uVwYjv7Rs. Vivaldi - Música Clásica para la hora de dormir: https://www.youtube.com/watch?v=BemE4sgctsY. Lectura rítmica de la Danza del hada de azúcar, de Cascanueces, Tchaikovsky: youtube.com/watch?v=qC3ZlV0ppAc. Piano en 6 lecciones, música de Johan Strauss, con Tom y Jerry: https://www.youtube.com/watch?v=g0DLvqTwTEY. Para Elisa, si Beethoven hubiera sido mexicano: https://www.youtube.com/watch?v=gEs3HQxxfVY.

La rapsodia húngara nº 2 es quizás la pieza de la música clásica más presentada en dibujos animados a través de los años. Y en honor al cumpleaños número 200 de Franz Liszt, he reunido una recopilación de un par de caricaturas que hacen uso del buen "Número Dos".
Y digo "un par" porque probablemente no sean ni la mitad. Realmente no se tiene idea de cuán reproducida fue esta canción en los dibujos animados clásicos hasta que realmente intentas cazarlos. Ahora, ¡que caigan los yunques y explote la dinamita!... Para muchos, fueron los dibujos animados los que nos inculcaron todo el amor que le tenemos a la música clásica. Ojalá las caricaturas de hoy día promovieran tales valores.?(De los comentarios a los videos) .

Más aportes de otros dibujos animados recopilados de http://lascebrassalen.com/musica-clasica-en-dibujos-animados/.
Los dibujos de Tom y Jerry  animaron a Lang Lang a tocar. Ahora es él quien sale en series. La música clásica en dibujos animados puede ser una vía excelente para que los niños la empiecen a escuchar. Hay capítulos entrañables, en los que la música clásica juega un papel estelar. Seguro que los niños pasan un rato estupendo viéndolos, y pedirán repetirlos una y otra vez. Lang Lang entró en el mundo del piano cuando tenía sólo 3 años, viendo un capítulo de Tom y Jerry en el que sonaba la Rapsodia húngara de Franz Liszt. 26 años después, su disco de homenaje al gran compositor húngaro, ha vendido miles de copias. El pianista chino se ha convertido en uno de los iconos de la música clásica. Su carrera artística se ha ganado el respecto del público y de la crítica especializada, al haber sabido posicionarse como un pianista de gran talento musical combinado con una imagen poco frecuente dentro la música clásica.

*The Cat Concerto (1947) https://www.dailymotion.com/video/x470tnx.
Tom y Jerry interpretando la Rapsodia no. 2 de Franz Liszt, la versión que impacto a Lang Lang. Esta animación ganó el Óscar al mejor cortometraje animado de 1946. La trama gira en torno a un concierto formal, donde Tom, un virtuoso del piano, está dando un recital. Jerry, que estaba durmiendo dentro del piano, es despertado bruscamente por la música. El ratón sube y comienza a dirigir a Tom con las manos, pero Tom no tolera esto y quita rápidamente a Jerry del piano. Así comienza el conflicto entre el gato y el ratón que se mantiene durante el cortometraje. Tom continúa tocando sin interrupciones solo hasta que Jerry las provoca.
El cortometraje fue incluido en el puesto 42 del libro 50 Greatest Cartoons de Jerry Beck, quien seleccionó los 50 mejores dibujos animados de la historia según los votos de personas ligadas al mundo de la animación.

*Rhapsody Rabbit (1946) https://www.dailymotion.com/video/x6hc408.
Cortometraje. En este caso es Bugs Bunny quien, en un concierto de piano, toca la Rapsodia húngara n.º 2 de Franz Liszt, cuando un ratón (que estaba dentro del piano) comienza a interrumpirlo. En el mismo año en que Warner Bros lanzó Rhapsody Rabbit, MGM produjo The Cat Concerto, el cortometraje de Tom y Jerry. Tanto MGM como Warner Bros se acusaron de plagio.

*Rabbit en el Barbero de Sevilla (1950), desde 0’40” vimeo.com/182263712.
Conejo de Sevilla es un cortometraje animado de Looney Tunes dirigido por Chuck Jones y estrenado el 16 de diciembre de 1950. Al igual que en What’s Opera, Doc?, en este corto los diálogos son cantados al ritmo de la música. La historia comienza con un grupo de personas que va a ver la ópera El barbero de Sevilla--. En ese mismo momento, fuera del recinto, Bugs Bunny es perseguido por Elmer Gruñón y ambos entran por la puerta trasera. Mientras Elmer busca a Bugs en el escenario, el conejo sube el telón, y el director de orquesta comienza la ópera. Bugs aparece cantando en el escenario vestido de barbero, y le ofrece a Elmer un afeitado.
El cartel de El barbero de Sevilla que aparece al principio tiene tres nombres escritos: Eduardo Selzeri, Michele Maltese y Carlo Jonzi, los cuales corresponden a las versiones italianas del productor (Eddie Selzer), escritor (Michael Maltese) y director (Chuck Jones) del cortometraje.

*What’s Opera, Doc? (1957) youtube.com/watch?v=6jDcWAWRRHo.
Cortometraje animado dirigido por Chuck Jones y perteneciente a la serie Merrie Melodies, estrenado el 6 de julio de 1957. La historia está protagonizada por Elmer Gruñón y Bugs Bunny quienes parodian las óperas de Richard Wagner, particularmente El anillo del nibelungo.
Se muestra la silueta de un poderoso vikingo dorado controlando una tormenta eléctrica, pero es tan sólo Elmer Gruñón (como el semidiós Siegfried). Elmer canta su famosa frase (en un estilo clásico), antes de llegar al agujero de Bugs Bunny. Bugs observa como Elmer ataca con una lanza su agujero gritando “Kill the wabbit!” (“¡Mata al conejo!”). Bugs canta su frase distintiva como en una ópera antes de que comience la persecución (Elmer demuestra al conejo los poderes de su lanza y casco).
Luego, Elmer se detiene cuando ve a la hermosa Valquiria, Brunilda (Bugs disfrazado). “Siegfried” y “Brunilda” intercambian diálogos cantados en una romántica escena. La identidad de Bugs es descubierta cuando se cae su casco y peluca, rápidamente Elmer utiliza sus poderes para atacar al conejo.
Un rayo alcanza a Bugs y este yace muerto sobre una roca. Elmer ve al conejo y se siente mal por su muerte, lo toma y lleva supuestamente a Valhalla. Bugs sale de su personaje, levanta su cabeza y mira al público diciendo “Bueno, ¿qué esperaban de una ópera? ¿Un final feliz?“. Este es uno de los pocos cortometrajes donde Elmer vence a Bugs Bunny.

*Johann Mouse (1952) coment en español: http://onlinetomyjerry.blogspot.com/2014/12/tom-jerry-episodio-75-johann-mouse.html.
Cortometraje animado de la serie Tom y Jerry, inspirado por el trabajo del compositor Johann Strauss (hijo). Johann Mouse ganó el Óscar al mejor cortometraje animado de 1952, siendo el último Óscar recibido por el dúo.
“Esta es la historia de un ratón bailarín. Su nombre fue Johann y vivió en Viena en la casa de Johann Strauss.” narra Hans Conreid. En los muros de la casa de Johann Strauss vivía Johann Mouse (interpretado por Jerry). El pequeño Johann adoraba las melodías de Strauss, y siempre que el músico tocaba en su piano, el ratón se veía hipnotizado y comenzaba a bailar. Y siempre que el ratón bailaba, el gato de Strauss (Tom) intentaba atraparlo, pero fallaba.

*Pigs in a Polka (1943) https://www.youtube.com/watch?v=g9rxRX3CL3o.
Cortometraje de 1943. Pigs in a Polka es una parodia de dos trabajos de Disney: Los tres cerditos (1933, ganador del Oscar al Mejor cortometraje) y Fantasía (1940). Las obras que los niños podrán descubrir gracias a esta parodia que Warner Bros hizo del cuento de los tres cerditos son cuatro, todas ellas pertenecientes a las 21 Danzas Húngaras que Brahms compuso para piano a cuatro manos entre 1852- 1869. Concretamente las Danzas, nº 5, nº 6, nº 7 y nº 17.

*Symphony Hour (1942). youtube.com/watch?v=pqU6jBAKRhU&index=10& list=PLa-V5z8wB4NgQr8cWhu2uDvyXFo7XGHVb&t=0s.
Mickey es el director de una orquesta cuyo patrocinador es Pete. A pesar de que la orquesta suena de forma sensacional, la noche del estreno Goofy tendrá un pequeño percance con los instrumentos. La música interpretada en este corto es de Franz von Suppé.

De gethomedesignideas.com.

cpe3.0005. CHOPIN EN DIBUJOS Animados. USA. 1946. Eva. T. Cine. Instrum.

Videos: www.youtube.com/watch?timecontinue=266&v=qRTWF3nPB1c. youtube.com/watch?=gZ6sdMUmIFA.

Un peculiar recital de piano en donde se interpretan cinco obras de Frédéric Chopin. Un mini recital de siete minutos de duración (las obras no aparecen completas):

*Polonesa Heroica en La bemol Mayor, Opus 53
*Fantasía Impromptu en Do sostenido menor, Opus 66
*Escocesa en Re Mayor, Nº. 2, Opus 72
*Mazurka en Si bemol Mayor, Nº. 1, Opus 7
*Scherzo en Si bemol mayor, Nº. 2, Opus 31

Imposible resultaria pensar en que los dibujos animados, no resultan decisivos en la creación y definición vocacional de los niños… En un cierto paralelismo a Lang Lang, esta diversión es la que inicio a Alex Márquez en su infancia, a acercarse a Chopin, y concretamente, la última de las ejecuciones en este peculiar concierto, el SCHERZO Nº 2, que reconocerás por ser la del incendio, iniciado con los pequeños fuegos, que surgen de los inconfundibles arpegios del inicio de la obra, fue la que pocos años más adelante escuchó en vivo, en el palacio de bellas artes en México, interpretada por Witold Malckuszinsky, y que en compañía de sus padres, termino de detonar la decisión de tomar formalmente la carrera de pianista.
Tal es la raiz de las motivaciones infantiles, que estas fuentes proporcionaron, y que hasta ahora en la era del entretenimiento educativo, PODEMOS ESTUDIAR COMO UNA PODEROSA MOTIVACION, PARA IMPULSAR A LOS TALENTOS INFANTILES.

Este concierto abre con la Polonesa militar en LA mayor orquestada que, desde la presentación misma del corto, tiene ya sabor Chopiniano. Después observamos la partitura original de la polonesa "heroica", que es interpretada por Andi Panda, y donde el juguetón pájaro loco, aparece como encerador de piano, haciendo de la famosa escala un embarrón de teclas al encerar en medio de la ejecución el teclado, al igual que el mueble...¡ Después vendrá la Fantasia impromptu, que tiene una gran lección educativa, puesto que el público de puerquitos manda callar a quien está abriendo una envoltura haciendo ruido (asunto que muchos adultos incultos que tal vez nunca vieron esta animación cometen en los conciertos en vivo). Después vendrá un tema polaco juguetón y brillante con un grillo que salta graciosamente al salir de la boca de quien se lo había comido. Y finalmente la Mazurka tan celebre de Chopin, termina con el inicio del fuego en un establo, que llegara hasta el piano, para crear el gran incendio, que magistralmente, trata de ser apagado a escobazos, coincidiendo estupendamente el ritmo aceleradísimo y quasi angustioso, del pájaro loco, que sólo hasta que el piano ha quedado destrozado, piensa en sacar la manguera de bombero y apagar el fuego, solo que... muy tarde...¡
Pero...son las progresiones rítmicas, y el aprovechamiento de las melodías, lo que atrapa la imaginación infantil, y logra su cometido...así que...si usted decide volver a ser niño, y con esos ojos ve el video, es muy posible que Chopin le signifique algo nuevo, y recuerde lo que dijo Sigmund Freud, padre del psicoanálisis: INFANCIA ES DESTINO...¡ (Extraído de: http://rz100arte.com/ musica-clasica-ninos-chopin-al-alcance-los-mas-pequenos/.)

cpe3.0006. ¿ERES MUSICAL?. L Bernstein. USA. 1958. M/G. Eva. Didáctica, instrum.

de https://2.bp.blogspot.com/

Concierto para jóvenes, 50': youtube.com/watch?v=Rpr5N8zhIpk. Y https://youtu.be/ybQ3CgPFzAE. Hay muchos videos en youtube.

Desde finales de los años cincuenta y durante los sesenta del siglo pasado el inolvidable compositor y director de orquesta Leonard Bernstein realizó una serie de conciertos didácticos al frente de la Orquesta Filarmónica de Nueva York que fueron grabados para la televisión. Son muy conocidos por los amantes de la música y han sido emitidos, que yo sepa, por Televisión Española y por el Canal Plus hace ya algunos años. Leonard Bernstein es un gran comunicador, y verle explicando diferentes cuestiones musicales poniendo ejemplos con el piano o con una orquesta completa es un verdadero placer. Como no se pueden comprar nada más que en versión original sin subtitular, me gustaría compartir con vosotros los que tengo, en versión original subtitulada, o doblados al castellano.
Inauguro, pues, la serie de Concierto para jóvenes, del año 1958, que trata de la música programática, la música descriptiva y todas esas músicas que tan atractivas resultan a los oyentes noveles porque tienen algún referente extramusical. ¡A disfrutarlo!
http://nosvemosenelblog.blogspot.com/2008/04/conciertos-para-jvenes-de-leonard.html. Otros títulos dirigidos por Leonard Bernstein: https://www.youtube.com/watch?v=AvHMytp8Xsg.

cpe3.0007. EL SONIDO DE UNA ORQUESTA. Leonard Bernstein. USA. 1958. M/G. Eva. Didáctica, instrum.

Bernstein, Música en México.

Concierto “ilustrado” de 52’: youtube.com/watch?v=AvHMytp8Xsg.
Ver el extraordinario recorrido sobre la música y la vida de Bernstein, en: proceso.com.mx/549420/lenny-bernstein-o-la-alegria-de-la-musica.
En este video, Bernstein analiza interpretaciones adecuadas e inadecuadas de Haydn (largo de la sinf 88), Beethoven, Bhrams, Debussy (Iberia), Stravinsky (La historia del soldado), Gerswin (un americano en París) y Copland (el Rodeo). Consigue destacar que la orquesta sinfónica no debe tener un sonido propio, sino descubrir e interpretar el sonido del compositor. Y que será tanto más auténtica, cuanto más capaz sea de cambiar de sonido, del de un compositor, al de otro. Porque cada compositor tiene su sonido propio, además de sus especifidades de época, país, corriente…

Dudamel en El Universo

cpe3.0008. GUSTAVO DUDAMEL. Venezuela. Actual. Eva. M/G. Instrum.

Dudamel ensaya, la marcha fúnebre de la 1ª sinfonía de Mahler, subtit en español: youtube.com/watch?v=cbKfJR4yhXE. Entrevista en “60 minutes” con subtítulos en español: https://www.youtube.com/watch?v=IsDPHrdInpA. Emoción en Salzburgo con la Orquesta Simón Bolívar: https://www.youtube.com/watch?v=lASm3R3kuWk. Ensayando la Consagración de la Primavera 4 con la Sinfónica Simón Bolívar: https://www.youtube.com/watch?v=dRueQHH27VE.


La historia de Abreu, Dudamel y la Sinfónica Simón Bolivar, en el canal argentino Encuentro: https://www.youtube.com/watch?v=XOKMBNi0bM8.

Imprescindible leer en el New York Times, el extraordinario artículo de Brian Philips en: https://www.nytimes.com/es/2018/11/01/gustavo-dudamel-venezuela-filarmonica/. Donde hay una reseña de su vida, sus actuaciones, orquestas, creencias, el Sistema, su Maestro Abreu, su pedagogía, qué hace grandioso a un director de orquesta, su relación con Venezuela… Perdonen que el extracto del mismo que viene a continuación, sea tan extenso. Pero ustedes verán si quieren saltárselo.

A principios de este año, ya entrada la tarde, Gustavo Adolfo Dudamel Ramírez se subió al escenario en el Barbican Center de Londres para entrar al mundo de la belleza superior. Levantó la batuta y 218 músicos, sus compañeros elegidos para el viaje que estaba a punto de emprender, alzaron la mirada hacia él.
No tantas personas creen en la belleza superior en estos días, pero Dudamel, director de orquesta de la Filarmónica de Los Ángeles, es un firme creyente. También cree en la verdad y en la alegría —sobre todo en la alegría—, así como en la hermandad y en la libertad del espíritu humano... Estaban a punto de practicar una de las expresiones más puras de los ideales que le parecen más conmovedores: el movimiento final de la Novena Sinfonía de Beethoven, la Oda a la alegría.

Dudamel ha sido el director musical de la Filarmónica durante casi una década, desde que lo contrataron como el niño prodigio de 28 años venido de Caracas. Se ha vuelto uno de los directores de orquesta más famosos del mundo, renombrado por la energía que aporta a las presentaciones en vivo; lo han llamado el salvador de la música clásica tan a menudo que hay un grupo malhumorado de críticos de la música clásica dedicado a probar que no lo es. A sus 37 años, se nota que su famoso cabello — los rizos negros y ligeros que han quedado plasmados en afiches y vallas publicitarias en todo el mundo— está comenzando a volverse cano, pero él estaba vestido de manera jovial, con una camiseta oscura, pantalones de mezclilla y zapatos deportivos. Solo era un ensayo, así que todos los músicos llevaban ropa casual; las camisas almidonadas y los vestidos negros eran para la noche.
La punta de la batuta de Dudamel se zambulló. ¡BUM, BADADA-DUM! Los timbales rugieron en el auditorio vacío. Después se escucharon los instrumentos de cuerda y viento, vibrantes, como la lluvia que cae diagonalmente, con los que Beethoven conjura el caos y la desesperación máximos antes de que el bajo solista del coro de pronto hace su entrada, cantando:
¡Oh, amigos, dejen esos ásperos cantos! Entonemos otros más agradables y llenos de alegría.

Hoy en día, cuando Dudamel dirige a una orquesta, siente un fantasma detrás de él. Se trata del fantasma de su mentor, el director y profesor venezolano José Antonio Abreu, quien le dio tanto su entrenamiento musical como su filosofía de vida, y quw había muerto poco antes, en marzo 2018, a los 78 años.
Aunque estos músicos habían interpretado la Novena Sinfonía incontables veces, y Dudamel simplemente estaba afinándolo todo, recordó lo que le enseñó Abreu: cada oportunidad para hacer música es una ocasión para mejorar el mundo, y cada encuentro con la belleza debe tomarse en serio. Así que, una y otra vez, le pidió a la orquesta que se detuviera. “Debemos salir de la rutina de la música y traer el sentimiento de regreso”, les dijo. “Debemos creer en el texto. Freude, Freude!”, cantó: ¡Alegría, alegría! “¡Debemos terminar abrazándonos todos!”.
Dudamel usa mucho la palabra “magia” cuando habla de la música. Lo que presencié durante ese ensayo de Beethoven fue mágico. El conductor movió sus manos en el aire como si fuera una persona que describía el océano y las cuerdas se derritieran en el oleaje.
Cuando todo se une así, cuando cientos de personas trabajan como una sola para crear algo tan especial, sabe que tiene razón en creer en las enseñanzas del maestro Abreu. Lo que puede sonar ingenuo y superficial en las épocas difíciles en realidad es fundamental. La música puede unir al mundo. La esperanza de la libertad humana vive en el arte. El mundo cambiará —eso lo cree sinceramente— si la gente tan solo presta atención.
Gustavo Dudamel, famoso, guapo y rico, vive con sencillez como si quisiera refutar la afamada máxima de Rousseau sobre la felicidad. El filósofo dijo que perdemos nuestra felicidad en cuanto la obtenemos. Nos sentimos felices, escribió, cuando vamos tras lo que deseamos; sin embargo, obtenerlo nos deja insatisfechos. Así, somos felices solo antes de serlo.

En Los Ángeles, Dudamel conduce a una de las orquestas mejor pagadas, mejor recibidas por la crítica y más estables financieramente de Estados Unidos. El sueldo base para un músico de la Filarmónica es de más de 150.000 dólares, y el músico principal gana 500.000 dólares o más; el salario de Dudamel es de poco más de 3 millones de dólares al año. La orquesta reportó ingresos de 141 millones de dólares en sus declaraciones fiscales de 2016 y 170 millones de dólares el año anterior. Dudamel trabaja en uno de los grandes palacios de música del mundo, el Walt Disney Concert Hall, un edificio brillante y plateado con una explosión de colores, diseñado por su amigo cercano Frank Gehry.
Recordó lo que le enseñó Abreu: cada oportunidad para hacer música es una ocasión para mejorar el mundo.
Muchos directores de orquesta consideran que el papel que desempeñan es explícitamente político. Daniel Barenboim organiza campañas para defender los derechos de los palestinos; Tom Wolfe se burló célebremente de Leonard Bernstein en su ensayo Radical Chic por organizar una recaudación de fondos para las Panteras Negras en su apartamento. El enfoque de Dudamel es más cauteloso. Una parte central de su mensaje es que la música no es ideológica. Es una manera de “construir puentes”, cree él, un lenguaje “para todos”. El peligro del pensamiento ideológico siente que es: “Quedas atrapado en uno u otro lado, y no queremos eso. No creo en eso. No creo en que es una cosa o la otra. Creo en la gente a la que veo”.

Hay críticos, sobre todo en Venezuela, que dicen que su optimismo es inmaduro. Su país natal está sufriendo una terrible crisis económica y social. Mientras, vive en la alcurnia de California se muestra incapaz de ofrecer una postura significativa de resistencia respecto del régimen cada vez más autoritario de Nicolás Maduro.
Su buen amigo Alejandro González Iñárritu, el cineasta mexicano ganador del Oscar, señala que no se espera que ningún artista estadounidense hable en nombre de todo Estados Unidos. Entonces, ¿por qué sería justo pedirle a Dudamel que haga lo mismo por Venezuela? Además, sí ha criticado a Maduro; escribió un artículo de opinión en The New York Times apenas el año pasado, 19 julio 2917, https://www.nytimes.com/es/2017/07/19/constituyente-venezuela-gustavo-dudamel-maduro/, para acusar al régimen de violar la Constitución venezolana. El gobierno respondió con la cancelación de una de sus giras. Cuando sientes la presión de ser la voz de todo un país, dice Iñárritu, “el peso puede ser devastador. Y creo que a él no han podido destruirlo”.
Dudamel es consciente de lo que dicen sobre él algunas personas. Intenta no prestarles atención. “La gente siempre critica”... La gente siempre crea historias. Si les sigues el juego, dejas de vivir, ya no tienes vida”.

La primera vez que Dudamel subió al podio del director, a los 11 o 12 años, lo hizo de broma. Sus padres eran músicos. Su padre, Óscar, tocaba el trombón en una banda de salsa, y su madre, Solange (le decían Sol), daba clases de canto. De pequeño, acomodaba sus muñecos como en una orquesta y después ponía discos de música clásica en el reproductor y los dirigía.
Sin embargo, ese primer día, solo estaba jugando. Fue en Barquisimeto, su ciudad natal y capital del estado de Lara, al noroeste de Venezuela. El profesor no asistió a su clase de orquesta, así que Dudamel se levantó de su asiento en la sección de violines y fingió dirigir el ensayo. Sus amigos se rieron, pero entonces sucedió algo que nadie pudo explicar. Cambió el ambiente de la sala. Le pidió a la clase que tocara un pasaje, y descubrió que dirigir la música allá arriba le resultaba perfectamente natural.
La clase tuvo lugar en un núcleo, un centro comunitario de música administrado por una iniciativa patrocinada por el gobierno que ofrecía entrenamiento gratuito de música clásica para los niños después de la escuela. Se conoce formalmente como Sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles de Venezuela, pero nadie le dice así. En toda Venezuela, y en los cientos de lugares en todo el mundo (por ej nytimes.com/es/2017/12/03/el-sistema-gustavo-dudamel-kenia/, https://www.nytimes.com/es/2016/10/23/un-director-venezolano-usa-la-musica-para-integrar-a-jovenes-refugiados-en-suecia/, en Uruguay https://www.orquestas.com.uy/) donde ha inspirado programas similares, se le conoce simplemente como El Sistema.

El Sistema en Juja, Nairobi. NYT.

El Sistema es legendario en Venezuela. No hay manera de hablar de Gustavo Dudamel, su fruto más famoso, sin tocar el tema de las maneras en que El Sistema influyó en él o los aspectos en que lo moldeó su director, Abreu. Actualmente, incluso en medio del colapso social, El Sistema llega hoy a más de 500.000 estudiantes en cientos de núcleos en todo el país. Es la institución más importante de la música clásica en Venezuela, por no decir de la cultura venezolana. Ha dado lugar a incontables imitadores —hay casi doscientos programas inspirados en El Sistema tan solo en Estados Unidos— así como libros, documentales y estudios académicos.
“Cuando lo vi entendí que estaba frente a alguien completamente poseído por la música. De cierto modo, le pertenece más a la música que a sí mismo”.
Lo genial del programa era la facilidad con que podía expandirse. Todo era voluntario. Cualquiera podía unirse. Hay una idea errónea persistente afuera de Venezuela de que El Sistema se dirige exclusivamente a la gente pobre. De hecho, no rechazan a ningún joven. Ve, consigue un instrumento y participa. Cualquiera que quisiera ir a una clase podía hacerlo y cualquiera que viniera podría terminar por enseñar y casi cualquiera que enseñaba podía comenzar un núcleo. A los estudiantes que ya habían sido parte del programa durante algún tiempo los ponían a trabajar con estudiantes más jóvenes. Después, cuando se mudaran de Caracas a nuevos pueblos o ciudades, podrían pensar: “Esto podría funcionar aquí también”. Se reproducía solo.
Casi veinte años después de empezar su experimento, Abreu se enteró de un joven talento llamado Gustavo Dudamel, que había deslumbrado a todos en el núcleo de Barquisimeto. Abreu, él mismo de esa ciudad, decidió volver a ese joven un gran director.
Fue un respaldo de suma importancia, porque aunque prácticamente cualquier niño puede llegar a tener acceso a las artes, la historia demuestra que el mundo es una tumba de genios desaprovechados. Imagínense todos los poemas, las canciones, las pinturas que podrían haber surgido si tan solo más personas hubieran tenido acceso a las herramientas para crearlos; si las mujeres pudieran haber explorado más su creatividad en vez de que se les reprimiera durante tanto tiempo o si los niños de escasos recursos siempre aprendieran a leer. Las sinfonías que nunca pudimos escuchar quizá sean más grandiosas que las que existen.
Dudamel era de esa clase de personas que no suelen volverse grandes directores porque no se les incentiva a acercarse al estudio y capacitación que se requiere. Sin duda Abreu sabía eso. “Es lo que el maestro Abreu nos enseñó”, dice Dudamel. “A ser visionarios. A no pensar en este momento, sino levantar la mirada y ver hacia allá, ¿sabes? Años adelante”.

¿Qué hace grandioso a un director de orquesta? Cuando la gente observaba a Dudamel de joven y se quedaba sin aliento —como lo hizo Deborah Borda, la presidenta de la orquesta que escuchó sobre su talento y terminó por traerlo a Los Ángeles— ¿qué estaba viendo?
Desde luego, está el elemento físico: la capacidad de comunicar el ritmo, el flujo, la textura y los ambientes cambiantes de una pieza musical a través de un conjunto de gestos tradicionales (pero adaptados libremente). Dirigir es una suerte de baile extraño y proactivo. No mueves tu cuerpo en respuesta a la música, sino anticipándola. Necesitas un sentido perfecto del ritmo; poco importa de otro modo si tienes las muñecas más fluidas del mundo.
También se necesita una inteligencia analítica para descifrar la estructura de una pieza, para determinar cómo encajan todas sus partes. Eso implica que debes ser capaz de escuchar la música antes de que se toque una sola nota. De alguna manera irreduciblemente misteriosa, tu filosofía y tu técnica deben convertir los puntos de la página en una interpretación que les comunique algo a los escuchas. Debes imaginar la música significativamente.
“Digo… yo puedo leer partituras y música”, dice el director venezolano Alberto Arvelo, quien se volvió amigo de Dudamel durante el rodaje de un documental sobre El Sistema, en 2006. “Pero se me complica. Tienes que revisarlo y decir: ‘OK, esto es un sol, do, re, lo que sea’. Pero él puede escucharlo mientras lee. Cuando lo vi entendí que estaba frente a alguien completamente poseído por la música. De cierto modo, le pertenece más a la música que a sí mismo”.
El don de la comunicación es aún más misterioso. ¿Cómo transmites tu entendimiento de una obra al grupo de músicos cuya presentación de esa pieza hará que cobre vida? Los músicos que trabajan con Dudamel tienden a decir que nada evidente ni grandilocuente lo distingue de otros directores; es una acumulación de pequeños momentos. Cómo les habla. Cómo los escucha.
Después viene el atributo más misterioso de todos: el control de la audiencia. El poder de conmover...
Desde la perspectiva de Dudamel, la vida es una serie de momentos que coinciden invisiblemente y él ha vivido cada uno tan sinceramente como ha podido. “Mi sendero ha sido muy natural”, dice. Todas sus experiencias lo han traído a este momento, al lugar donde se siente tan feliz. ¿Por qué dibujaría límites? Cada día es nuevo.
¿Cómo lidiar durante tanto tiempo con toda la belleza de la música, cuando gran parte del mundo no es bello, no puede serlo? Lo entristecía, dijo, muchísimo, ver el sufrimiento en el mundo, el hambre, la miseria en Venezuela. “Es muy complejo y muy malo”, señaló el director.

El Sistema considera que la música es una fuente de cambios sociales, pero para sobrevivir en la actualidad, el programa depende de la buena voluntad de un gobierno denunciado de autoritario; por eso quizá Dudamel se muestra renuente a hablar explícitamente de política. Cuanto más política sea su postura, más pone en riesgo su movimiento social.
No obstante, está seguro de que está en lo correcto al creer en el optimismo por encima de la ideología. Si tan solo la gente pudiera escucharse entre sí. Cree que el malestar —el descontento en Venezuela, la agitación en Estados Unidos— puede ser una oportunidad para que tomen forma nuevos entendimientos. Lo esencial, cree, no es que gane un bando o el otro, sino que la gente se una. ¡Entonemos sonidos más agradables y llenos de alegría!
Pero ¿qué pasa si evitar la ideología solo ayuda a la gente que abusa de su poder?, le pregunté. ¿Acaso hay una línea más allá de la cual la única respuesta posible es la resistencia?
“Creo en la gente”, dijo con delicadeza. “A veces me entristece. Me desespero, pero, al mismo tiempo, pongo todo eso en, no sé… en el músculo, o en esta parte optimista de mi alma, y veo que las cosas pueden mejorar”.
Intentó recordar una cita que le gusta sobre la alegría y la democracia. Se levantó para preguntarle a Ebner, su asistente. La democracia es "La suma de la felicidad de pueblo”, le respondió el asistente.

Más videos: Entrevista en español sobre sus grandes versiones: https://www.youtube.com/watch?v=Dy5f7_AAuDo. En una entrevista a Naciones Unidas en Venezuela, el joven director de orquestas explicó que "El Sistema" no es una "fábrica de músicos" sino una escuela en valores: https://www.youtube.com/watch?v=kOgs4czhKDE. En marzo de 2015, Gustavo Dudamel dirigió un ensayo abierto especial con músicos de YOLA (Youth Orchestra LA) y Soma Children's Orchestra & Chorus, dos programas inspirados en El Sistema en los Estados Unidos y Japón, respectivamente: https://www.youtube.com/watch?v=A4jdlvrDlkE. Dudamel y el arquitecto Gehry se alían para dar un hogar a Orquesta Juvenil de Los Ángeles: https://www.youtube.com/watch?v=RTxcUtyphLI. Dudamel Conducts the YOLA at HOLA Wind Ensemble - October 13, 2012: https://www.youtube.com/watch?v=SleO38Km03w.

Hacen bailar a 33 presidentes

Como la orquesta moviéndose con la batuta de Dudamel puso a batir palmas a 33 presidentes y todo el público con la música de Pérez Prado: youtube.com/watch?v=-pz02BjhaxU&list=RDrBG76HsOYBQ&index=3.
Interpretación de Pajarito Amarillo y Alma llanera, en PROMS:  http://www.youtube.com/watch?v=Oqv0KIWekb4. El 2º movim de la Sinfonía 10 de Shostakovich y Danzón nº 2 de Arturo Márquez, con subtítulos en español:  https://www.youtube.com/watch?v=amSqQ5XNaGE.

2.bp.blogspot.com, en Pinterest

cpe3.0009. LA DAMA DEL NÚMERO 6. Alice H Sommer. 2012. Eur. Eva. G. Hist. Música.

Documental subtít. en español: https://www.youtube.com/watch?v=G1pG0ZmYjfg&t=279s. En el 2009 le hicieron otra entrevista: https://www.youtube.com/watch?v=1Ei-eXRfAAA&t=474s.

"La Dama del número 6" es una de las más inspiradoras y edificantes historias del año. A los 109 años de edad, Alice Herz Sommer, era la pianista más vieja del mundo y la más vieja sobreviviente del Holocausto. En este documental comparte sus puntos de vista sobre cómo vivir una vida larga y feliz. Habla de la importancia de la música, la risa y tener una visión optimista de la vida. Dirigido por el ganador del Oscar, Malcolm Clarke.
Más datos en: https://es.wikipedia.org/wiki/Alice_Herz-Sommer. 

cpe3.0010. COMO HACER UN RAP.

En 1.bp.blogspot.com

Enrique Cerezo. España. 2016, M/G, creatividad.

Para explicar a mis alumnos cómo hacer un rap... "No soy rapero, ni lo pretendo; solo soy tu profe de música y quiero... Videos: youtube.com/watch?v=uiXL2PY1dfI. Y 
es.wikihow.com/escribir-letras-de-rap. 
Cómo grabar un rap: https://www.youtube.com/watch?v=MNwRAfhv7Lk.
https://es.wikihow.com/componer-una-canci%C3%B3n-de-rap. 

captura de pantalla

cpe3.EMed. AY LINDA AMIGA. CEIP Huertas viejas. Esp. 2016. Eva. M/G. Coreogr. Clásica.

Primeros sonidos, bajarlos a DO, sería más fácil, así: https://www.youtube.com/watch?v=jJ7U0fpm55M. Partitura y audio, para 3 flautas dulces: http://collirodes.wix.com/ay-linda-amiga. Partitura coral en RE y letras: http://www.atrilcoral.com/cp_aylin.pdf.

Video de la experiencia: https://www.youtube.com/watch?v=jJ7U0fpm55M. (Publicado el 19 mar. 2016)
Canción que ha trabajado el alumnado e 5º y 6º del CEIP Huertas Viejas de Coín (Curso 2015-16), en la UDI "Un paseo por la Edad Media". Interpretan el tema "Ay, linda amiga". Grabado en dos horas, no dejo de sorprenderme de la gran capacidad que tiene el alumnado. Suena muy redonda, y muy afinada, espero que os guste.
¡Ay!, Linda amiga, es una canción de autor anónimo, forma parte de la colección de partituras del Cancionero de Palacio. (El cancionero es un libro manuscrito, en el que se recopilan composiciones para uso de una casa aristocrática, una catedral o cualquier otra institución que tenga a su servicio una capilla musical). El Cancionero de Palacio constituye una antología de la canción polifónica que se pudo escuchar durante el reinado de los Reyes Católicos.
Conservado actualmente en la Biblioteca del Palacio Real (Madrid), en él se encuentra tanto el texto como la música de las canciones profanas de la corte castellana de los últimos años del siglo XV y primeros del XVI.
A finales del siglo XIX, el manuscrito fue redescubierto en la Biblioteca del Palacio Real de Madrid por el compositor y musicólogo Francisco Asenjo Barbieri (1823-1894), quién lo transcribió y publicó en 1890 con el nombre de "Cancionero musical de los siglos XV y XVI".
Podrás escuchar la interpretación con instrumentos de la época, primero con una guitarra , después con un laúd y finalmente también con un coro.(Publicó ProfeAntoniomusic, en:  http://flautamateoaleman.blogspot.com/ 2010/03/ay-linda-amiga.html)

Ay linda amiga - que no vuelvo a verte!
Cuerpo garrido - que me llevas la muerte!
No hay amor sin pena, - Pena sin dolor,- ni dolor tan agudo como el del amor.
Levantéme madre - al salir el sol,fui por los campos verdes - a buscar mi amor.

SIGLO XVIII

cpe3.1700. BARROCO MISIONAL. Bolivia. Siglo XVIII. Eva. M/G. Barroco. Pueblos.

En Santa Cruz de la Sierra. De Avianca en revistas

VIDEOS: Señora Doña Maria, Por el Conjunto Moxos:
https://www.youtube.com/watch?v=WvDJO6S5H9k. El Conjunto Moxos en la UNESCO, Paris, en 2013: https://www.youtube.com/watch?v=IYkvC9UEQlM. Festival de Música Barroca en Chiquitos: https://www.youtube.com/watch?v=ijB42rdzh8k. Montaje de la sonata anónima en trio (2 violines y bajo continuo)del siglo XVIII, del archivo musical de Chiquitos, con imágenes de las misiones: https://www.youtube.com/watch?v=XwO6JImvc6E&t=59s. Del vol 3 de Música barroca boliviana, Florilegium, música a partir de 1’07”: https://www.youtube.com/watch?v=ZNeYBdGN7OQ. Allegro de la Pastoreta Ychepé flauta: https://www.youtube.com/watch?v=LyC4JsUI-y0.
La fiesta en San Ignacio de Moxos: https://www.youtube.com/watch?v=_IJDWHJn8dQ.

Muchos datos en: https://es.wikipedia.org/wiki/Misiones_jesu%C3%ADticas_de_Bolivia.

La vieja partitura no era fácil de leer. Era copia de una copia de una misa latina compuesta en el siglo XVIII por Domenico Zipoli que cruzó el Atlántico y la mayor parte de América del Sur, solo para quedar guardada en una caja durante tres siglos en una ruinosa iglesia selvática, donde la humedad ha hecho de las suyas. Además de las termitas. Los insectos se comieron una buena parte de la misa. Aunque gran parte de la obra de Zipoli ha desaparecido en su nativa Europa, al este de Bolivia ha logrado sobrevivir junto a su vasta tradición musical barroca, que resuena por las tierras bajas tropicales....

Esa música es uno de los legados de los misioneros jesuitas… En el siglo XVIII, partes de lo que ahora es Paraguay, este de Bolivia, sur de Brasil y  Oeste de Uruguay, eran vastas selvas donde había pueblos nativos seminómadas y comerciantes de esclavos que los cazaban. Los imperios español y portugués rodeaban estas selvas...
Los jesuitas descendieron a la selva con la doble meta de convertir a las tribus indígenas y protegerlas de la esclavitud. Durante el proceso, formaron un Estado dentro del Estado, gobernado por los sacerdotes y los caciques locales.
Este oscuro rincón de la historia latinoamericana se reflejó en 1986 en la película La misión, protagonizada por Robert De Niro (Ver publicacions.ub.edu/ bibliotecaDigital/cinema/filmhistoria/Art.LaMision.pdf).
“Se trataba de construir una sociedad diferente, una especie de utopía con educación, autosuficiencia y, por supuesto, música, que era la manera en que los jesuitas evangelizaban”, dijo el padre Piotr Nawrot, un sacerdote católico de Polonia que vive en Bolivia y participó en la recuperación de algunas de las partituras barrocas originales... Entre los bolivianos de las tierras bajas, el legado de la música barroca sobrevivió, incluso siglos después de que las comunidades indígenas perdieron la tradición de leer música y comenzaron a aprenderse las piezas de oído.

Para comprender la fuerza con la que esa tradición permanece hoy en día, basta con observar lo que sucede en Urubichá, un pueblo campesino al noroeste de Concepción, al final de un camino de terracería que bordea un pantano y al que se llega solo después de cruzar diez puentes a través de la densa selva.

URUBICHÁ. Foto de Lena Mucha en NYT

Este pueblo de ocho mil habitantes tiene una escuela de música con quinientos alumnos: casi todos los niños del lugar. A la hora del almuerzo, los niños caminan por la plaza del pueblo cargando estuches de instrumentos en la espalda. Hablan guarayo, el idioma nativo.
“Los guarayos viven con esta música en el alma”, dijo Leidy Campos, de 32 años, quien enseña música en el pueblo. “La gente aquí dice que nace con un violín en las manos”.
Cruzando un campo desde las aulas, Ideberto Armoye, un maestro de carpintería, estaba en un taller rodeado de violas y violines a medio hacer, que se fabrican con cedro y caoba locales. Son las únicas maderas que pueden soportar el calor tropical, según comentó. Para demostrar su argumento, sacó un violín llegado recientemente de una fábrica china. “A este instrumento puede pasarle cualquier cosa, mire esta gran cuarteadura”, dijo.
Pese a que muchas de las piezas de esa época se han transmitido de manera oral en las familias bolivianas, se pensaba que las orquestaciones y obras corales se habían perdido. Durante años permaneció como uno de los misterios de la época: aunque la música barroca había sido el puente entre los jesuitas y los bolivianos, nadie sabía exactamente cómo sonaba.

En la década de los noventa, Nawrot llegó en busca de lo que podría haber quedado de la música escrita, lo que lo llevó a la zona de los moxos, mucho más al oeste. Les preguntó a los ancianos del pueblo sobre manuscritos de aquellos tiempos pero, según contó, ellos tenían preguntas que hacerle a él… Al fin, los líderes moxos le revelaron algo que lo dejó atónito. Habían sobrevivido miles de páginas de manuscritos, incluyendo desde música de óperas barrocas hasta conciertos para un solo instrumento, algunos de los cuales se habían copiado apenas en 2005. “El manuscrito nunca se perdió, solo no sabíamos que existía”, dijo el sacerdote.
Durante gran parte de la década de los noventa, Nawrot trabajó con Vaca, el archivista de Concepción, para reunir otra colección de partituras que se habían encontrado en la década de los setenta, incluyendo los manuscritos de Zipoli. El cuerpo de la obra, que incluye tanto copias de piezas conocidas como otras desconocidas y escritas en Bolivia, ahora se conoce en los círculos de música clásica como Barroco Misional.

Esta música cuenta con admiradores más allá de las tierras bajas bolivianas. Uno de ellos es Ashley Solomon, profesor del Royal College of Music de Londres, quien viajó a la ciudad de Santa Cruz el pasado abril para dirigir un festival de música barroca celebrado cada dos años en las antiguas misiones jesuitas. “Tomaron esta música y la hicieron suya; es más alegre, más optimista”, dijo Solomon. “Su música eleva el espíritu en lugar de ser una autoflagelación, que es lo que se observa en mucha de la música clásica occidental de la misma época”.

Orquesta juvenil, Bolivia, en BNYT.

Una noche reciente, no mucho después de la puesta de sol, César Cara, el director académico de la escuela de música de Urubichá, condujo a su orquesta de estudiantes en un ensayo de la “Sonata XVIII”, una partitura de un compositor anónimo que la escribió en algún lugar de los cerros circundantes en el siglo XVIII. Un gran insecto se arrastró por el suelo mientras el coro esperaba su turno. Una de las sopranos lo aplastó con el pie y lo pateó hacia los violines.
“Queremos que la gente nos aplauda por nuestro nivel”, dijo Cara, y señaló que sus alumnos tocaron hace poco con un grupo visitante de la Escuela Juilliard en uno de los conciertos del festival.
Solomon, el músico británico, dijo que hay mucho talento en Bolivia y que los habitantes del pueblo tienen una conexión con la música que es inusual en Europa, donde la música clásica tiende a vivir separada de la cultura popular. Cuando su grupo, Florilegium, comenzó a tocar un concierto para flauta del siglo XVIII, “Pastoreta Ychepe Flauta”, quedó sorprendido al escuchar a miembros de la audiencia, gente del pueblo que conocía la pieza, tarareándola también. “Podríamos tocar ‘Las cuatro estaciones’ de Vivaldi en Londres y nadie la seguiría”, dijo Solomon. “Pero en Bolivia la gente se apropió de la música, y así llegó a la esencia de aquello de lo que se trata”.
(Extractado de “En la selva boliviana, amor a la música y legado jesuita”, escrito por Nicholas Casey: nytimes.com/es/2018/05/10/bolivia-jesuita-musica-barroca/em_pos=small&emc=edit_bn_20180511&nl=boletin&nl_art=2&nlid=76040324emc%3Dedit_bn_20180511&ref=headline&te=1.)

cpe3.1705. ZARABANDA.

portada del disco

Haendel. Alemania. Aft. M/G. Instrum. Danza.

Primeros sonidos: fa fa, sol mi mi, la la sib sol sol, la sib sibm do’ la la, la re’ re’ mi’ do# do#... Partitura tocada en flauta dulce (va señalando las notas a medida que suenan): https://www.youtube.com/watch?v=Xs3BeFdorME. Partitura completa: youtube.com/watch?v=EgVPrviDHSU. Y
tocapartituras.com/2012/12/ sarabanda-de-haendel-partitura-para.html.

Video interpretado por gran orquesta: https://www.youtube.com/watch?v=klPZIGQcrHA.
Más datos en https://es.wikipedia.org/wiki/Zarabanda. Del autor: es.wikipedia.org/wiki/Georg_Friedrich_H%C3%A4ndel.

La zarabanda es una danza lenta, del período barroco desarrollada durante los siglos XVI y XVII, escrita en un compás ternario (característica de la música barroca) y se distingue en que el segundo y tercer tiempo van a menudo ligados, dando un ritmo distintivo de negra y blanca alternativamente. Las blancas corresponden a los pasos arrastrados en el baile y se caracteriza por un tempo allegro y ligero. Tenía similitudes con la chacona...
Hay testimonios que sitúan la danza por los territorios hispánicos y las colonias de América. En sus inicios este baile tenía carácter popular y consistía en danzar de forma circular con giros y maneras provocativas. La primera constancia de la zarabanda es en América Central: en 1539, un baile llamado zarabanda se menciona en el poema Vida y tiempo de Maricastaña escrito en Panamá por Fernando de Guzmán Mejía. Otros autores otorgan a la zarabanda un origen exclusivamente español. Aunque se discute su origen africano, habiendo llegado a España a través de la invasión musulmana...
Los instrumentos que acompañaban a este baile, eran la guitarra barroca y la percusión con las castañuelas. Además de la instrumentación, se encontraba una parte vocal y la letra estaba relacionada con la temática picaresca (erótica, política, social…). Solía aparecer nombrada la propia danza...

Juan de Mariana, comentó alrededor de 1609: «solo quiero decir que entre las otras invenciones ha salido estos años un baile y cantar tan lascivo en las palabras, tan feo en los meneos, que basta para pegar fuego aun á las personas muy honestas. Llámanle comúnmente zarabanda, y dado que se dan diferentes causas y derivaciones de tal nombre, ninguna se tiene por averiguada y cierta; lo que se sabe es que se ha inventado en España, que la tengo yo por una de las graves afrentas que se podían hacer a nuestra nación.»
«A 3 de agosto de 1583, mandan los señores alcaldes de la casa y corte de su majestad, que ninguna persona sea osado de cantar, ni decir, por las calles ni casas ni en otra parte el cantar que llaman de la zarabanda, ni otros semejantes. So pena de cada doscientos azotes y a los hombres de cada seis años de galeras y a las mujeres, de destierro del reino.»
La zarabanda fue citada con frecuencia en la literatura de la época (a saber, la de Góngora, Cervantes o Lope de Vega, entre otros) y gozó de enorme popularidad hasta entrado el XVII. Cervantes, por ejemplo, incluyó la frase «... el endemoniado son de la zarabanda» en "El celoso extremeño".

Francia adopta la zarabanda y la desvinculará de sus raíces como danza del pueblo, elevándola a la corte real. Se desarrollará dentro de la música culta, pasando a ser uno de los movimientos imprescindibles de las suites (conjuntos de danzas), además de incluirse en piezas para solista y en los ballets de la corte. Adoptará otro tipo de temática en su poesía, más expresiva (manierista), e incorporará a su haber otros instrumentos, como el clave o el laúd.
La zarabanda fue resucitada en el siglo XX por compositores como Claude Debussy, Erik Satie y, con otro estilo, Vaughan Williams (en Job) y Benjamin Britten (en Simple Symphony).
Quizá la zarabanda más famosa es la anónima La Folía, cuya melodía aparece en piezas de varios compositores desde la época de Claudio Monteverdi y Arcángelo Corelli hasta la actualidad. (Stanley Kubrick utilizó en la banda sonora de su película Barry Lyndon una zarabanda de Händel, a saber el cuarto movimiento de su “Suite en re menor para clavecín”, que no es otra cosa que una variación de La Folía.)

Canaletto 1747, en blog Focus Aranjuez

cpe3.1717. MÚSICA ACUÁTICA. Haendel. Alemania. Eva. M/G. Instrum. Natura.

Versión orquestal del Allegro de la Suite 2: youtube.com/watch?v=664QhBOhBgc.

Versión y partitura en homepipe, piano y violín de la música acuática y la música para los fuegos de artificio: youtube.com/watch?v=7KX5PhimMLw.

Sobre Haendel, ver: es.wikipedia.org/wiki/Georg_Friedrich_H%C3%A4ndel.

Una de las aconsejadas para serenar el ánimo, es la música acuática de Haendel. Les invitamos a escuchar fragmentos de esa composición, de la Suite n° 2, que cumplió ya 300 primaveras.
El benefactor y patrón de Haendel, dirigente de Hannover, en Alemania le dió permiso para viajar a Inglaterra, esperando que regresara. Pero las óperas del compositor lograron en Londres un éxito tan tremendo que Haendel no tenía ganas de volver.
Dos años después, su patrón, Georg, fue coronado como el rey Jorge I de Inglaterra. Haendel se sintió muy preocupado. Porque el rey era su antiguo patrón al que había estado ignorando durante años. Y estaba enfadado con el compositor, pero reconocía que Haendel era el músico más famoso. 

¿Cómo se reconciliaron? El rey había decidido dar una fiesta acuática. En una barcaza, río abajo por el Támesis. Una segunda barcaza lo seguiría de cerca. En ella los músicos tocarían lo compuesto por Haendel.
Jorge encontró la música encantadora y la alabó excesivamente. Preguntó la identidad del compositor. Cuando descubrió que era Haendel, el rey le perdonó, le felicitó y se reconciliaron.
Aproximadamente son veinte piezas las que forman las 3 suites de la Música Acuática, destinadas al viaje río abajo, la cena y el viaje de vuelta.
La Música Acuática es una pieza internacional. La chirimía, que aparece en dos de las suites, es una danza popular inglesa de la época. El rigodón es una danza francesa originaria de Provenza. La bourrée es también francesa, como lo son la giga y la sarabanda.

Los pájaros carpinteros

cpe3.1740. 4 FLAUTAS de madera. JS Bach. Alemania. Eva. Adt. G. Instrum. Barroco.

Woodpeckers Recorder Quartet - JS Bach – El arte de la Fuga BWV 1080 - Contrapunctos I & IX.
Video: youtu.be/F0s76X0laxQ.
https://www.facebook.com/ClassicFM/videos/10156506834059260/

Woodpeckers (Los pájaros carpinteros) es un grupo dinámico de virtuosas que comparten un interés común en tocar y promocionar música muy antigua y muy nueva, con sus flautas de madera. Se conocieron mientras estudiaban juntas en el Colegio Real de Música en Estocolmo, y pronto se dieron cuenta de que eran buenas amigas y compañeras de música de cámara. Los cuatro miembros han ganado reconocimiento a nivel internacional, y han estado actuando y haciendo giras con algunos de los principales conjuntos barrocos de Europa.
Además de centrarse en el repertorio original y arreglado del siglo XVII y XVIII para la compañía de discos, los Woodpeckers están colaborando con varios compositores jóvenes y talentosos para producir nueva música para el grupo. También están muy interesados en presentar su instrumento con la mayor calidad sonora para la próxima generación, y recientemente han estado de gira en Noruega con una producción infantil para Rikskonsertene. Las 4 son Pernille Petersen (alemana), Katarina Widell (Sueca), Kate Hearne (irlandesa) y Caroline Eidsten Dahl (noruega) (En la página del grupo con biografia, videos… (http://woodpeckersquartet.com/.)

captura de pantalla

cpe3.1777. SERENATA en DO. Andante. Haydn. Austria. Eva. Adt. G. Instrum.

Partitura con audio: https://www.youtube.com/watch?v=tTNgEo_Elsw. Partit para 2 flautas: musicasecundaria.com/Partituras/Clasicas/Serenata_haydn_ flauta_dulce.pdf.
Montaje audiovisual: https://www.youtube.com/watch?v=Sknj-0Bpk7k. Audio por la sinfónica de Toronto: collectionscanada.gc.ca/obj/028011/f7/18957.mp3.
Video en flauta y piano: https://www.youtube.com/watch?v=UrIxokgEmuc.

Está en discusión que esta obra sea de Haydn. Es que substituir el nombre de un autor poco conocido, por el de uno famoso, era bastante común en los editores de música, para aumentar las ventas. De todas formas, como lo más común es que se le atribuya a Haydn, ahí van unas notas.
Franz Joseph Haydn (Rohrau, cerca de Viena; 31 de marzo de 1732 - Viena; 31 de mayo de 1809), conocido como Joseph Haydn, fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clásico, además de ser conocido como el «padre de la sinfonía» y el «padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.
Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría. Aislado de otros compositores y tendencias musicales, hasta el último tramo de su vida, estuvo, según dijo: «forzado a ser original». En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa. (https://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Haydn). Sobre sus obras, y la estructura de su música ver: https://sites.google.com/site/obrasmaestrasdelclasicismo/proceso/actividad-2.

cpe3.1783. VERANO,

Verano, en la revista Vinculando

4 estaciones. Vivaldi. Italia. Eva. M/G. Instrum. Barroco

Si Vivaldi viviera se quitaría el sombrero. Versiones en otros instrumentos diferentes al cuarteto de cuerdas. En acordeón, por Alexander Hrustevich Vilnius, video youtube.com/watch?v=o6r7QSDoHJo. https://www.facebook.com/MultimediosCR/videos/si-vivaldi-viviera-se-quitar%C3%ADa-el-sombrero/1664780697121126/. Versión de Músicos ucranianos, proyecto de B & B, interpretando esta composición en instrumentos folclóricos tradicionales, Bandura y acordeón de botones, en el cañón de Korostyshev (Ucrania): https://www.youtube.com/watch?v=UYW7mrY8Dg0. Por orquesta de rock: youtube.com/watch?v=3P3ddR9vhCI.
"Verano" la III parte "Tormenta". Video con orquesta sinfónica:   https://www.youtube.com/watch?time_continue=1&v=NqAOGduIFbg.

Ver sobre las tormentas en Vivaldi: https://www.tiempo.com/ram/33656/la-tormenta-y-vivaldi/. 

Las 4 estaciones es la más conocida de las obras de Vivaldi. Vivaldi publicó los concertos con los poemas que acompañaban (posiblemente escritos por el propio Vivaldi) en los que señalaba lo que su música intentaba evocar. Es uno de los ejemplos más tempranos y detallados de lo que más tarde se llamaría música de programa-música con un elemento narrativo. Vivaldi se esforzó mucho por relacionar su música con los textos de los poemas, traduciendo las líneas poéticas directamente en la música de la página. En la sección media del concierto de primavera, donde el cabrero duerme, su perro ladrando aparece en la sección de viola.
Para la 3ª parte Tormenta, del Verano, escribió: Sus miedos eran ciertos: roba e interrumpe el descanso los relámpagos y truenos del cielo, como moscas el tropel furioso. Truena y relampaguea el cielo y, con su granizo, troncha las espigas y los trigales altaneros.
Esteban Rojas Rodriguez, escribió en los comentarios de facebook: El acordeón diatónico es difícil porque justamente produce notas diferentes para adentro y afuera (moviendo el fuelle) pero eso no quiere decir que es más difícil que el cromático. Ahora, hay muchísimos otros elementos en este vídeo (en la música que compuso Vivaldi realmente) que son demasiado notorias para pasarlas por alto. Empezando por el virtuosismo, presente de alguna manera en otras músicas de México (norteña), Colombia (vallenato), y Argentina (tango/ bandoneón), pero aquí hay contrapunto, armonía, escalas en la mano izquierda (realmente difícil), y otros detalles que hacen que este intérprete (y la música por supuesto) tenga un nivel técnico que yo diría insuperable y que difícilmente encontramos en los otros tipos de música que mencioné. Saludos!

La caza de Paul de Vos en el Museo del Prado

cpe3.1784. CUARTETO LA CAZA. Mozart. Austria. Eva. M/G. Instrum.

Cuarteto de cuerda Nº 17 en Si mayor, K 458. Sólo audio, interpretado por el cuarteto vienés Franz Schubert: https://www.youtube.com/watch?v=XkFsEJmRsHo. Sólo el IV movim, por el Cuarteto Toldrá: https://www.youtube.com/watch?v=8x-LMIkkD8w.

En el ICE (Instituto Cultural Español) de nuestra ciudad. El cuarteto Aramis ya había estado varias veces. Lluvia, una docena de personas. Recuerdo de la lluvia en campaña, antes, u hoy en la casa, donde tenemos todas las posibilidades de información, de música, de juegos, sin salir de casa. El cuarteto había hecho primero un taller con jóvenes aprendices.

Luego hicieron un concierto donde terminaron con la composición de Mozart, denominada La caza, porque refleja el ambiente de una cacería de la época. Este fragmento nos parece muy adecuado por su serenidad y hermosura, para despedirnos. El cuarteto es el más débil según los críticos, pero con mucho es el más popular de los seis cuartetos escritos para Haydn, popularidad que se refleja en el hecho de haber sido empleado en varias películas, como Las aventuras de Huckleberry Finn, Mystery Date y Star Trek IX:
Más datos en http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/1336305.

SIGLO XIX

cpe3.1808. SINFONIA PASTORAL. Beethoven. Alemania. Eva. M/G. Clásica. Natura.

Videos en la versión de Disney en Fantasía. Primer movimiento, https://www.youtube.com/watch?v=l_EDBM1tOEo. VERSION NO CENSURADA Y SÍ, del 2º movimiento: https://www.youtube.com/watch?v=gyPFibRadto. El 4º movimiento: https://www.youtube.com/watch?v=gTInBejxFW0.

Hay un film que busca reflejar la vida y las últimas grandes creaciones del Maestro: youtube.com/watch?v=a2vhLJdKaYI. Un extracto del film sobre la 9ª sinfonía: https://www.youtube.com/watch?v=Xkj0TeZeZuo.

De todas las Sinfonías de Beethoven la única que podemos considerar que tiene algo parecido a un argumento, es La Sinfonía Pastoral. Beethoven, gran amante de la naturaleza, se inspiró en ella para componerla o más concretamente en los sentimientos que la naturaleza despierta, pues como el propio compositor dijo en la Sexta Sinfonía más que pintura de sonidos encontraremos expresión de sentimientos.
Una sinfonía que entre las novedades que presenta está su ruptura con el molde clásico de cuatro movimientos. Beethoven escribió una estructura de cinco movimientos acompañados de títulos que nos sitúan perfectamente en la escena allí evocada: 1er movimiento (Allegro ma non troppo), Despertar de alegres sentimientos con la llegada al campo; 2º movimiento (Andante molto mosso), Escena junto al arroyo; 3er movimiento (Allegro), Alegre reunión de campesinos; 4º movimiento (Allegro), Relámpagos. Tormenta; 5º movimiento (Allegretto): Himno de los pastores. Alegría y sentimientos de agradecimiento después de la tormenta.
Un bonito argumento que da pie a contar una historia protagonizada por escenas junto al río, campos verdes y gran tormenta que Disney decidió trasladar a las laderas del monte Olimpo para presentarnos a una sucesión de dioses y criaturas de la mitología griega como Iris, Zeus, Vulcano, Helios, Diana, Pegaso, Baco además de ángeles alados, centauros machos y hembras… aunque eso sí todos ellos representados a la manera Disney.
Espero que os guste, os sirva y la disfrutéis mucho. En rz100arte.com/musica-clasica-ninos-beethoven-sexta-sinfonia-al-alcance-los-mas-pequenos/.

Más datos en: https://labellezadeescuchar.blogspot.com/2013/10/beethoven-sexta-sinfonia-pastoral.html. Sobre Beethoven: https://historia-biografia.com/ ludwig-van-beethoven/. 

Carmel A Capella, en Last.fm

cpe3.1808. 5ª SINF, 1er mov. Beethoven. Alemania. Eva. M/G. Clásica.

Excepcionalmente atractiva, la interpretación de Carmel A Capella: https://www.youtube.com/watch?v=z1PJ2ZP9a0g.
Bien interesante, Beethoven en bicicleta. 5ª sinfonía de una forma entretenida: youtube.com/watch?v=pFKuNSk_ru4.

Sin duda, todos hemos escuchado alguna vez el primer movimiento de La Quinta Sinfonía de Beethoven, la obra que más tiempo le llevó componer, cuatro años en total y lo hizo ya casi totalmente sordo y en periodos interrumpidos por la composición de otras obras. Acabada en 1808, esta sinfonía en Do, construye sus cuatro movimientos a partir del famoso motivo inicial, conocido como “la llamada del destino”:

Pero estoy segura de que nunca la hemos escuchado así.... Las protagonistas de esta fantástica versión son Carmel A-Cappella, un quinteto vocal femenino de Haifa, Israel, especializado en la música a varias voces sin acompañamiento, es decir a capella. Su repertorio va desde la interpretación de canciones populares israelíes e internacionales, del jazz y los musicales, hasta adaptaciones de conocidas piezas clásicas instrumentales. La directora musical y arreglista del conjunto es Shula Erez, que aprovecha todos los registros y posibilidades de las sopranos Keren Jalon y Maya Goldshmidt, las mezzos Limor Yanowicz y Moran Shalev, y la contralto Inbal Hefter. (Publicó Irene Sánchez en https://musica maestrorey.blogspot.com/2017/10/la-5-de-beethoven-capella.html.)

Otras interpretaciones, preciosas para mí, de Carmel a Capella, son “la primavera”, de las 4 estaciones de Vivaldi: https://www.youtube.com/watch?v=Uxs5O6hMBvg (cpe126). ¡Qué mundo maravilloso! https://www.youtube.com/watch?v=OOGAm0M9xSM (eqp214). Guantanamera: https://www.youtube.com/watch?v=chGQ8LNJke4 (adt118). (Sonidos, datos, videos, vínculos, didáctica de estas canciones en: https://musicaenlaescuela-fiesta.blogspot.com/search?q=cpe126#cpe126. ---musicaenlaescuela-fiesta.blogspot.com/#eqp214. --- http://musicaenlaescuela-fiesta.blogspot.com/2010/11/algo-dificiles-de-tocar.html#AdT118. 

cpe3.1829. OBERTURA

En Classical Iconoclast

GUILLERMO TELL. Giacomo Rossini. Italia. Eva. Adt. M/G. Opera. Historias.

Primeros sonidos del Presto final: re’, re’ re’ re’, re’ re’ re’ si sol si re’ si sol si re’…. Partitura en SOL: musicasecundaria.com/Partituras/Clasicas/partes%20 separadas/ guillermo _tell_obertura_rossini/flauta...pdf.

Video del Presto final de la obertura, en el Concierto Voces para la Paz 2010 en el Auditorio Nacional de Música, Madrid: https://www.youtube.com/watch?v=EnnU-ptbFEA. Uno se imagina vaqueros galopando en sus caballos.
Una delicia es la animación de Luzzatti y Gianini sobre la obertura de “La urraca Ladrona”: youtube.com/watch?time_continue=350&v=bqnIBi2uIL0. En este caso el corto no narra el argumento del melodrama de Rossini, que la verdad no es muy infantil, sino una fabulosa historia de tres reyes que deciden declarar la guerra a los pájaros haciéndolos huir de su reino. En el reino únicamente quedará una urraca que decidirá vengarse de los impostores. (Publicado dentro de su “homenaje a Rossini” en Propuestas para poner la música clásica al alcance de los más peques: http://rz100arte.com/musica-clasica-ninos-gran-luzzti-nos-presenta-las-operas-rossini/)

Gioachino Rossini, mejor conocido por sus colegas como "Il signor crescendo" (¿por qué será?), era un hombre jovial, extrovertido, amante de la buena vida y tan hábil con las palabras como con las corcheas. Es muy posible que el aprecio del público por la música de Rossini se deba a que en sus composiciones aplicó fielmente los principios en los que creía con firmeza: “El deleite debe ser la base y la meta de este arte. Melodías simples y ritmos claros.”
Estos principios fueron aplicados por Rossini en más de 30 óperas... Si bien Rossini vivió hasta los 76 años de edad, su carrera como compositor de óperas terminó cuando tenía apenas 38 años, con la creación de Guillermo Tell en 1829… La ópera Guillermo Tell fue compuesta como parte de un plan a largo plazo a través del cual Rossini debía componer cinco óperas para la escena francesa. Sin embargo... la revolución de 1830 dió al traste con los planes de Rossini a este respecto... y ya no habría de componer más óperas a partir de entonces… Dada la facilidad con la que Rossini componía una ópera tras otra, es de suponer que si sus planes no se hubieran visto abruptamente interrumpidos, pudo haber conformado un impresionante y enorme catálogo operístico... Porque como decía el mismo Rossini: “Denme una lista de lavandería y yo le pondré música.”
Lo curioso del caso con Il signor crescendo, compositor de óperas, es que no son precisamente sus óperas lo más popular de su catálogo, sino las oberturas de esas óperas… de las que existen más de sesenta colecciones discográficas distintas; entre ellas, la obertura de la ópera Guillermo Tell ocupa siempre un lugar destacado.
El personaje titular de esta ópera es un héroe de leyenda de la tradición suiza, similar al Robin Hood inglés. Las hazañas de Guillermo Tell son un símbolo de la resistencia suiza contra la dominación austríaca. He aquí la historia: En los inicios del siglo XIV Suiza se halla bajo el dominio de Austria. Un día, al pasar el patriota suizo Guillermo Tell por la villa de Altdorf en compañía de su hijo, se entera de que Gessler, el gobernador austríaco, ha hecho colocar en la plaza del pueblo un sombrero austríaco en la punta de una pica, como símbolo de la dominación. Como muestra de sumisión, todo ciudadano suizo debe hacer una reverencia ante el sombrero. Guillermo Tell se rehúsa a hacerlo y como castigo es obligado por Gessler a probar su legendaria puntería con la ballesta, tirando a una manzana colocada sobre la cabeza de su hijo. Gracias a su habilidad, Tell sale airoso de la prueba pero es mantenido prisionero por Gessler, a quien ha amenazado antes de la prueba: “Mi segunda flecha será para vos.” Tell debe ser llevado al castillo de Gessler en la orilla norte del lago Lucerna. Durante el viaje, se desencadena una feroz tormenta y Tell, experto timonel, es librado de sus cadenas para guiar la nave. Lo hace y al llegar a tierra escapa de la nave y desaparece. Tiempo después, mata a Gessler en una emboscada y su acción incita al pueblo suizo a la rebelión.
Su figura ha sido identificada con la de otro héroe muy distinto, el Llanero Solitario, de la televisión de antaño (https://www.youtube.com/watch?v=_EMMH0NBcLU)…
De hecho, la obertura de Guillermo Tell está estructurada como una pequeña sinfonía: una introducción lenta, un allegro que simboliza la tormenta, un andante y un presto final que describe el triunfo del héroe… Además de su final ciertamente brillante y llamativo, la obertura de Guillermo Tell tiene como una de sus características principales la belleza de los solos que Rossini encomendó a los instrumentos de viento-madera a lo largo de la pieza.
Decía Rossini: “La música es un arte sublime precisamente porque, incapaz de imitar la realidad, se levanta por sobre la naturaleza ordinaria, hacia un mundo ideal, y con armonías celestiales conmueve las pasiones terrenales”.
Así escribió Juan Arturo Brennan en https://musicaenmexico.com.mx/obertura-la-opera-guillermo-tell-gioachino-rossini-1792-1868/. 

En el Metropolitan de NY. Captura pantalla.

cpe3.1840. VA PENSIERO. Giuseppe Verdi. Italia. Adt. G. Opera. Patria.

Sonidos, vínculos, videos, datos, autor, letra  y traducción, en http://musicaenlaescuela-fiesta.blogspot.com/2010/11/gritos-de-libertad.html  #GdL102. 
Partitura:https://musescore.com/user/160739/scores/158053.

Video del Metropolitan Opera House, con subtit en español: https://www.youtube.com/watch?v=gxWXyxS-Rsg. Y letra –aplicada a lo personal- en la información, de Nana Mouskori: youtube.com/watch?v=CXFH7_vnGPI. Id cantada con coro: https://www.youtube.com/watch?v=dma4r9ymDC4.

Para nuestros tiempos, según Mutti: ¿Verdi contra Berlusconi?
El partido político del primer ministro de Italia sufrió un grave retroceso en las elecciones municipales. Hubo un referéndum sobre derogar algunas leyes aprobadas por el gobierno. La derrota de Berlusconi fue rotunda. En la primera pregunta, el rechazo a adjudicar los servicios públicos locales a privados, ganó con el 95,6% de los votos. En la segunda, contra la tarifa del agua alcanzó el 96,1% de los votantes. La cuestión del rechazo a las centrales nucleares, triunfó con un 94,4% de los votos y sobre la reforma judicial para impedir que el Primer y los demás ministros pudieran disfrutar de cierto grado de inmunidad, el SÍ obtuvo un 94,9% de los votantes.
Un poco antes, ese mismo año, el 12 de marzo, Italia celebró el 150 aniversario de su unificación. Para festejarlo se le pidió a la Opera de Roma la obra más emblemática de esa época: Nabucco de Giuseppe Verdi, dirigida por Riccardo Muti.
La ópera evoca a los judíos en la esclavitud de Babilonia, y la famosa canción "Va pensiero" es el culmen de la obra: el coro de los esclavos oprimidos. En Italia, esta canción se convirtió en el símbolo de la lucha por la libertad, que en la década de 1840 - cuando la ópera fue escrita – Italia estaba oprimida por diversos monarcas que dominaban Lombardía, el Piamonte, las 2 Sicilias y los Estados Pontificios. No hay duda que, además de la belleza de la melodía, su éxito se debe a que los italianos se identificaron con el pueblo hebreo en su hora más difícil, cuando muchos habían sido desterrados a Babilonia y soñaban con poder volver a su tierra en libertad. (En la Biblia hay varios textos sobre la cuestión, especialmente los Salmos 137 y 127). Es decir que Verdi pretendió actualizar a su época y a Italia acontecimientos que tuvieron lugar hacía 2.600 años en el Próximo Oriente.
Los comienzos de la bronca
Antes de la la ópera, Gianni Alemanno, el alcalde de Roma, subió al escenario para denunciar los recortes en el presupuesto del gobierno, sobre la cultura. Y esto a pesar de que Alemanno es miembro del partido gobernante y ex ministro de Berlusconi. Silvio Berlusconi en persona asistía a la representación ...
Luego comenzó la ópera, con este famosísimo coro: Va pensiero.

¡Vete, pensamiento, con tus alas doradas, - vete a las laderas, a las cimas,
perfumadas por el suave aroma, - la dulce brisa de la tierra natal!
Saluda las orillas del Jordán,- las torres de Sión destruidas…
¡Oh mi patria tan bella y perdida! - ¡Oh recuerdo amado y fatal!
Arpa de oro de dolientes trobadores,- ¿por qué cuelgas muda del sauce?
¡Revive en nuestros pechos el recuerdo - que habla del tiempo que fue!
Así como el destino de Jerusalén - dibuja un sonido de crudo lamento,
¡que te inspire el Señor un canto,- que infunda a nuestro sufrir, fuerza (3 v),
a nuestro sufrir, fuerza!
El director de la ópera, Riccardo Mutti, decía al The Times: "Cuando llegamos al famoso coro Va Pensiero, de inmediato sentí que el ambiente de la audiencia estaba tenso y el silencio se llenó con auténtico fervor. Se podía percibir la reacción visceral de las lamentaciones de los esclavos cantando: "¡Oh mi patria, tan bella y perdida!
Antes de acabar el coro, ya algunos en el público reclamaban ¡Bis! La gente de la casa (que están en la parte más alta de la ópera) comenzaron a lanzar papeles llenos de mensajes patrióticos... Mutti se mostraba reacio a conceder el bis. En un gesto teatral, el conductor se volvió en su podio, frente al público y frente a Berlusconi, después que oyó en la audiencia una voz: "¡Viva Italia!".
Riccardo Muti: “Sí, estoy de acuerdo con eso, "Viva Italia", pero ... He vivido más de 30 años como un italiano viajando extensamente por todo el mundo. Y me avergüenzo de lo que está sucediendo en mi país. Así que aceptaré dirigir "Va Pensiero" de nuevo. No sólo por razones patrióticas, sino porque esta noche, cuando me encontré con el coro cantando "Oh, mi patria, hermosa y perdida," pensé que si seguimos así, vamos a matar la cultura sobre la que se construye la historia de Italia. En este caso, nosotros, nuestra patria sería realmente "hermosa” y estaría “perdida".[Aplausos fortísimos, incluyendo a artistas en el escenario).
Yo, Muti, prosiguió, hablé a los sordos durante muchos años. Me gustaría ahora ... que le demos un sentido a esta canción, ya que estamos en nuestra casa, el teatro de la capital... Les sugiero que se nos unan para cantar juntos...” Todo el público se levantó. Y también el coro. Fue un momento mágico en la ópera." Ver  https://www.pagina12.com.ar/diario/contratapa/13-173438-2011-07-31.html

cpe3.1867. NOCHE en el MONTE PELADO. Moussorgsky. Rusia. Eva. M/G. Instrum. Cuentos.

el viento, en el Monte Pelado. El Blog de GHNB

Orq sinfon. de Xalapa, Mx. Extracto: https://www.youtube.com/watch?v=rensMUsoQgQ. Completa, versión de la Sinfónica de Moscú: https://www.youtube.com/watch?v=KAlqK02oSFk.

Una Noche en el Monte Pelado es la única obra orquestal de Mussorgsky y tiene una historia extremadamente confusa. Mussorgsky fue miembro de un grupo de compositores conocidos como los Cinco Rusos. Después de varios intentos, basados en diferentes escritos, en 1867 le escribió a Rimsky-Korsakov:
"El 23 de junio, en la víspera del día de San Juan, terminé con la ayuda de Dios La Noche de San Juan en el Monte Calvo, una pintura musical con el siguiente programa: Asamblea de las brujas, su charla y chismorreo; El cortejo de Satán; La impía glorificación de Satán; y Aquelarre de las brujas."
Después de un análisis técnico de la obra, el compositor continuaba:
“En mi opinión, la Noche de San Juan es algo nuevo y está destinada a producir una impresión satisfactoria en un músico serio. Lamento que la distancia nos separe, porque me gustaría que examináramos juntos la recién nacida orquestación... Hay un libro, Brujerías de Khotinsky, que contiene una descripción muy gráfica de un aquelarre de brujas proporcionado por el testimonio de una mujer en un juicio, que fue acusada de ser una bruja y había confesado a la corte sus devaneos amorosos con el mismo Satán. La pobre lunática fue quemada: esto ocurrió en el siglo XVI. A partir de esta descripción hice la construcción del aquelarre."
El pasaje del libro de Khotinsky que estimuló la imaginación de Mussorgsky es: “El que se embadurnaba con un ungüento especial caía en un profundo sueño. Entonces veía al Diablo en la forma de un negro macho cabrío, sentado en una piedra o en un tocón de árbol podrido... El macho cabrío era venerado del modo más vil... Empezaban las danzas en las que hombres y mujeres bailaban entre sí y también con los demonios que constituían el séquito del Demonio. La mayoría de ellos tenía la apariencia de lobos, machos cabríos, sapos y toda clase de reptiles. De inmediato se transformaban en apuestos jóvenes que se convertían en las parejas de las mujeres que asistían al aquelarre. Por lo general, bailaban espalda contra espalda. A esta altura ocurrían cosas inenarrablemente viles... Los aquelarres podían producirse cualquier noche… Por lo general se realizaban los viernes, la víspera del sábado, y el aquelarre principal anual se celebraba en la víspera de San Juan... Por la noche, las brujas, con el cabello suelto sobre los hombros, montaban sus escobas, tenedores de hornos, palas, escobas de ramas o escobas de paja y salían volando por las chimeneas hacia el aquelarre en el Monte Calvo."

La carta de Mussorgsky a Rimsky-Korsakov indica su necesidad de comentar la orquestación con un colega más experimentado. Pero primero tenía que enviar la partitura a Balakirev para obtener su aprobación y posiblemente un estreno. Mussorgsky se regocijaba con el éxito de su música, pero cuando Balakirev respondió, después de un prolongado retraso, el regocijo se convirtió en aflicción. El mentor de Mussorgsky no pudo apreciar la audacia armónica de la obra y expresó su desaprobación abiertamente. No se vislumbraba estreno alguno en el futuro. Mussorgsky dejó la obra a un lado y continuó con otros proyectos...
A la muerte de Mussorgsky, ocurrida siete años después... Rimsky-Korsakov, que sentía que Noche en el Monte Pelado tenía muchos efectos maravillosos, trató de resucitarla después de la muerte de su amigo. Probablemente usó la versión final, que era más suave que la versión para orquesta solamente. Rimsky... suavizó muchas de las irregularidades y mejoró la orquestación. En muchos sentidos su partitura está tan alejada de la original que es mejor llamarla una fantasía sobre temas de Noche en el Monte Calvo.
La partitura original finalmente fue publicada en 1968. Difiere muchísimo de la versión de Rimsky. Demuestra tanto la originalidad de Mussorgsky como su inexperiencia en lo que respecta a la forma y la orquestación. Se la toca de vez en cuando, pero no ha remplazado la famosa fantasía de Rimsky. Además, hay razones para dudar de que en realidad sea exactamente la primera versión, porque carece de un tema importante que Mussorgsky citó en la carta escrita a Rimsky poco después de haber terminado la pieza por primera vez. Publicado en: http://www.hagaselamusica.com/clasica-y-opera/obras-maestras/noche-en-el-monte-calvo-de-modest-mussorgsky/. 

dibujo original de Viktor Hartmann.

cpe3.1874. BALLET DE LOS POLLITOS. Musorgsky. Rusia. Eva. G. Instrum. Natura.

Partitura completa: https://www.youtube.com/watch?v=Qa2PTz9dd04. Propuesta, audio, videos, versiones, para escuchar con al imaginación: http://enriquecerezog.wix.com/escuch-imaginac#!video/cfvg. Montaje audiovisual en piano: https://www.youtube.com/watch?v=FSN95uz8eDc. 
Extracto de “Cuadros de una exposición” por la Sinfónica Simón Bolívar en el Festival de Salzburgo: https://www.youtube.com/watch?v=hKD8mZG2pdM.
Guía didáctica del Ballet en la pg. 16 de: educa.jcyl.es/educacyl/ cm/gallery/recursos_jcyl/am/7_31cuadro/guiadidactica.pdf. El resto de las páginas lo dedica a guía didáctica de la obra completa Cuadros de una exposición.

Video Interpretación del cuarteto de clarinetes Veloz: youtube.com/watch?time_continue=1&v=JE1s-nzkRjU.

La siguiente propuesta está extraida de un proyecto muy completo de lectura de José Antonio Abad y Xosé Cobas, que la editorial Kalandraka publica no solo para contemplar y escuchar, también sobre el que debemos investigar para apreciar y gozar de la música y de la pintura. Aquí solo incluímos la parte de los polluelos.
“Nos ha llevado algún tiempo (precioso y curioso como siempre que un libro nos lleva al conocimiento), conocer y saber sobre muchos asuntos relacionados con Cuadros de una exposición. Os contamos lo que hemos aprendido a raíz de este libro. Es un paseo largo y muy dichoso, porque con él hemos aprendido a escuchar, ver y sentir con más intensidad.

¿Quiénes intervienen y qué sucede?
Modest Mussorgsky nació en Rusia en 1839. Pronto comenzó las clases de música con su madre y llegó a interpretar con solo siete años piezas del compositor Liszt. Continuó sus estudios de piano en San Petersburgo. En la escuela militar conoció a Borodin, otro compositor ruso con el que años más tarde, ya con con 22 años, formaría parte del grupo de “Los Cinco” junto a Balakirev, Cui y Rimsky-Korsakov.
El grupo de músicos trató de crear una nueva música rusa despegada de las influencias occidentales. Lo consiguieron tomando como punto de partida el espíritu genuino del folclore ruso, dotando a su música de una vitalidad y colorido nuevos.
Mussorgsky fue el más auténtico y nacional de todos los compositores rusos pues su música reflejaba mejor que ninguna las preocupaciones sociales y filosóficas. Desde muy joven sufrió crisis nerviosas que le sumergieron en profundos conflictos personales que resolvía con litros de alcohol. Murió en 1881 con 42 años.
Viktor Hartmann, amigo de Mussorgsky, nació en 1834 en San Petersburgo, Rusia. Quedó huérfano de pequeño y creció en la casa de su tío: un conocido arquitecto de San Petersburgo. Estudió en la Academia Imperial de las Artes en su ciudad y comenzó a trabajar ilustrando libros. Hartmann fue uno de los primeros artistas en incluir motivos rusos tradicionales en su trabajo. Estos motivos eran en gran parte elaboraciones imaginarias a partir de elementos orientales, pero su impacto fue tal que dio lugar a todo un estilo arquitectónico que hoy consideramos como genuinamente ruso.
En 1873 fallece y un año después, a modo de homenaje se realiza una exposición de sus dibujos y maquetas, que sugiere a Mussorgsky la composición de Cuadros de una exposición, en la que intenta evocar a partir de la música, los cuadros contemplados y las sensaciones percibidas en el museo. La mayoría de los trabajos de esta colección están ahora perdidos.

Cuadros de una exposición
En 1873 se produce la muerte repentina del artista y arquitecto Viktor Hartmann, con 39 años, apreciado amigo de Mussorgsky. Un año más tarde, a modo de homenaje, se realiza una exposición en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo en la que se recogían más de 400 dibujos, acuarelas, apuntes de vestuarios, ilustraciones y otras obras del artista fallecido. Mussorgsky asiste a dicho evento y siguiendo la propuesta del reputado crítico Vladimir Stasov, uno de los organizadores, decide rendirle un homenaje musical intentando plasmar con sonidos algunas de las imágenes allí representadas.
La composición es un ejemplo de música programática, un tipo de música que busca contar con las notas musicales las ideas, sensaciones y evocaciones que el autor percibe ante una situación, un momento o un objeto. Tiene un carácter descriptivo y de reinterpretación personal, que tuvo su momento de mayor esplendor en el romanticismo.
En apenas tres semanas Mussorgsky escribió la obra musical para piano. Curiosamente siendo una suite para piano, es una de las piezas más veces orquestada, destacando especialmente la realizada por Maurice Ravel. Y es que Mussorgsky ha sido muy reconocido como músico en el siglo XX, pero cuando vivió y compuso, era un músico amateur que no podía hacerse cargo de la orquestación de una obra. La orquestación de la mayoría de sus composiciones ha corrido a cargo de otros músicos, en especial de Rimsky Korsakov.

¿Qué guarda esta obra musical?
La obra está compuesta como una suite de quince piezas y de estas quince piezas diez tienen relación con algún cuadro de la exposición de Hartamnn, las otras cinco son una variación de la primera: Promenade (Paseo) que va repitiéndose entre algunos cuadros con diferentes versiones.
Las piezas musicales de la obra, relacionadas con los cuadros de la exposición son los siguientes: – Gnomo. -El viejo castillo. -Bydlo. – Tullerías. -Ballet de polluelos en su cascarón. -Dos judíos polacos, Samuel Goldenberg y Schmuyle. -El mercado de Limoges. -Catacumbas. -La cabaña sobre patas de gallina. -La Gran Puerta de Kiev.
Comencemos nuestro paseo por la exposición
1. Paseo. Promenade
Ésta es la pieza que abre la suite y con la que Mussorgsky nos sugiere, es el deambular del visitante por la exposición antes de reposar ante la contemplación de un cuadro. Por ello la misma pieza, aunque variada, aparece en distintas ocasiones enlazando diferentes cuadros. En el vínculo encontrarán las demás explicaciones de los cuadros. Aquí sólo extractamos el n° 6.
6. Ballet de los dos polluelos del cascarón.
Éste es uno de los diez dibujos de Hartmann ilustrados musicalmente por Mussorgsky que aún se conservan. Se trata de una tinta china realizada para la puesta en escena del ballet Trilb.
Las flautas son las protagonistas de este número tan alegre, acompañadas de maderas y cuerdas en esta imitación de unos polluelos picoteando su cascarón y librándose de él. Extractado de: https://biblioabrazo.wordpress.com/2015/12/07/cuadros-de-una-exposicion-modest-mussorgsky/.
Sobre los pájaros en la música clásica valdría la pena ver: https://www.jornada.com.mx/2012/11/18/cultura/a16n1vox.

cpe3.1879. MARCHA FÚNEBRE PARA UNA MARIONETA. Gounod. Fr. eva . adt. Todos. Clásica, Juguetes.

captura de pantalla, en La máquina de los vientos.

Partitura para piano: https://www.youtube.com/watch?v=gkjNeHlSoko. 
Audios por orq sinfónica: https://www.youtube.com/watch?v=yDT-GoxUc8I. 
En preciosos dibujos: https://www.youtube.com/watch?v=m1uVwYjv7Rs.

Escuchando con la imaginación: propuesta, audios, obra, videos, versiones, musicograma: http://enriquecerezog.wixsite.com/escuch-imaginac-3/obra. https://vimeo.com/297194839.

Este divertimento fue escrito a mitad del siglo XIX por el compositor francés Charles Gounoud, que vivió entre 1818 y 1893, contemporáneo de Víctor Hugo y la trama de su novela Los Miserables.
La obrita, de menos de cinco minutos, Marcha fúnebre para una marioneta, es con mucho la más popular. Ya que, el director de cine, Alfred Hitchcock (ese tipo bien narigado que sale de fondo en el vídeo) eligió un breve fragmento de ella como cabecera o sintonía de presentación de su serie para televisión “Alfred Hitchcock Presenta”. (Extraído de:   https://ellcontadordehistorias.blogspot.com/2013/01/como-no-os-puede-gustar-la-musica.html.
Gounod fue uno de los músicos franceses más famosos del siglo XIX destacado sobre todo por sus composiciones operísticas. Nacido en París, su padre murió cuando todavía era muy pequeño, y fue educado por su madre, una pianista que supo ver sus grandes dotes musicales cuando tan solo era un niño. En 1839 ganó el “Gran Premio de Roma”, uno de los premios más prestigiosos del momento, que le permitiría residir tres años en la capital italiana y un viaje de un año a Viena, becado por el gobierno. De vuelta a París Gounod compuso una docena de óperas, género en el que ocupa un lugar destacado en la historia. Sin embargo, también compuso algunas obras religiosas, de hecho, en un momento de su vida, debido a sus fuertes creencias religiosas, pensó dedicarse al sacerdocio. Y curiosamente una de sus obras más conocidas es el Ave María compuesto sobre un preludio de El clave Bien Temperado de Johann Sebastian Bach que se interpreta habitualmente en las bodas. En el siguiente link podéis escuchar la versión de la cantante Diana Damrau: https://www.youtube.com/watch?v=s_qZ_GoEJIc.
En el siguiente vínculo se puede ver la cabecera de la serie de Alfred Hitchcock: https://www.youtube.com/watch?v=Y9A4W7RLXak. Desde entonces esta melodía está asociada inevitablemente al misterio. 
En este otro enlace podéis ver un curioso corto de animación en el que la pobre marioneta es asesinada: https://www.youtube.com/watch?v=hKD8mZG2pdM. 
En la Máquina de los vientos hay una interesante guía didáctica sobre ésta y otras melodías bien atractivas de música clásica: centroculturalmiguel delibes.com/assets/guia-didactica-maquina-vientos-feb2017-normal.pdf.

captura de pantalla

cpe3.1890. CLARO DE LUNA. Claude Debussy. Francia. Eva. M/G. Clásica. Natura.

Partitura y audio: https://www.youtube.com/watch?v=zeHfIsexRZU. https://es.scribd.com/document/8945492/Debussy-Clair-de-Lune. Partitura del Claro de Luna, Beethoven:  pinterest.com/pin/328340629068267630/?lp=true

Sugerencias para escuchar con la imaginación (propuesta, sobre el audio e ideas, video, obra y autor, más versiones: http://mariajesusmusica.wix.com/audicion6#!. Allí dice: “Claro de luna es una de las obras más famosas del compositor francés Claude Debussy. Forma parte de la “Suite bergamasque”... Representa el estilo impresionista trasladado a la música, intentando captar las sensaciones de la naturaleza, en este caso de un claro de luna en la noche”. Aunque fue escrita en 1890, la obra no se publicó hasta 1905, y eso pese a que su autor intentó que no viese la luz, pues creía que esta obra de juventud estaba muy por debajo del nivel de sus composiciones más modernas. La Suite toma su nombre de las máscaras de la Commedia dell'Arte de Bérgamo y está inspirada en el poema Fêtes galantes  de Verlaine.

Guía didáctica sobre los “claros” de luna de diversos autores: http://servicios.educarm.es/templates/portal/ficheros/websDinamicas/250/ClarosdeLuna-Guadidctica.pdf.

Sobre la pieza de Debussy, leer: https://elpoderdelasletras.com/clair-de-lune-de-debussy-una-historia-tras-las-notas/.
Montaje audiovisual con la música de Debussy con imágenes musicales en la hª del arte: https://www.youtube.com/watch?v=ptk4OoRDWmg. Interesante artículo e imágenes en: https://elpincelconlienzo.wordpress.com/2013/07/14/ la-musica-en-la-pintura/.

SIGLO XX

cpe3.1905. VALENKI. Anastasia Tyurina, balalaika. Rusia. 2018. Eva. M/G. folEU, Instrumental.

Anastasia Tyurina, captura pantalla

Variaciones sinfónicas sobre la canción popular rusa Valenki. En la Sala de conciertos Tchaikovsky de Moscú, 13 de septiembre 2018. youtube.com/watch?v=QJjSEGOOOcc. La forma como toca su balalaika, Anastasia, de 8 años, nos deja estupefactos. Otra interpretación en solo, Cenicienta: https://www.youtube.com/watch?v=ERUtXPKAqJY. 

Sobre los valenki resulta que su procedencia no es tan genuinamente rusa como pensamos. Según los historiadores, el origen de la invención de este tipo de calzado está en los pueblos nómadas de las estepas de Asia central. Ellos fueron los primeros que inventaron el método de enfurtir (apelmazar) la lana. La lana no solo resiste bien el frío, sino que también protege los pies de las piedras puntiagudas y de las plantas con espinas. Este cómodo calzado pasó de los nómadas a todo el territorio poblado por los eslavos orientales. Ahora los valenki son unos de los símbolos de Rusia. http://rusopedia.rt.com/cultura/artesania/issue_20.html. Las válenki son las típicas botas, hechas de fieltro. Para muchos no existe nada más cómodo y que caliente mejor durante los duros inviernos rusos que estas botas de lana. Lo que más se valora de los válenki es que están hechos sin una sola costura, en una sola pieza y gracias a eso resultan suaves y cómodos para el pie. Solo tienen una desventaja bastante problemática: los válenki calan, por eso suele ponerse calzado de goma sobre ellos. Antiguamente los válenki eran un objeto caro, razón por la cual los más ricos eran los únicos que podían permitirse tal lujo. La familia de campesinos en la que cada miembro tenía un par de válenki se consideraba adinerada. Durante la Gran Guerra Patria (1941-1945) más de 100 millones de pares de válenki fueron enviados al frente. Este elemento del uniforme militar ruso desempeñó un papel muy importante en la derrota del fascismo. La fabricación de válenki es un proceso que requiere mucha paciencia y tiempo. A día de hoy el 60 % del trabajo continúa haciéndose a mano. En la actualidad se producen más de cuatro millones de estas botas en Rusia anualmente. Algunos de ellos incluso los hacen los diseñadores conforme a las últimas tendencias de moda y se pueden encontrar en los vestuarios de elegantes mujeres urbanas. Pero los consumidores más importantes de este calzado siguen siendo los habitantes de las poblaciones rurales, así como casi todos los trabajadores del petróleo, gas y ferrocarril.

unas valenki en kolobok.

Desde el siglo XIX, en la tradición musical popular de Rusia se han compuesto diversas canciones de origen gitano que resaltan la vida cotidiana campesina. Una de las más conocidas desde inicios del siglo XX, gracias a las grabaciones de cantantes populares como Nina Dulkiévich o Lidia Ruslánova, es “Válienki”, el nombre ruso para las botas de fieltro. Su forma singular es valiénok, sustantivo masculino. En la jerga coloquial, un valiénok es también una persona sencilla. Estas prendas, tan comunes durante el invierno en Rusia desde tiempos inmemoriales. Generalmente son botas cortas, que cubren apenas los pies y los tobillos. Suelen fabricarse en colores oscuros pero también en blanco. Es tradición que las mejores válienki son las que se fabrican en las provincias de Nizhni Nóvgorod, Kostromá y Yaroslavl. La ciudad de Moscú alberga un museo de los válienki, prueba de la importancia de este calzado en la vida cotidiana de la población rusa.(Autor: Rainer Matos) en: kolobok.com.mx/ valenki-%D0%B2%D0%B0%D0%BB%D0%B5%D0%BD%D0%BA%D0%B8/.
Valenki, oh valenki, estás vieja y gastada - Ahora eres insoportable
Y así no puedo salir a ver a mi amorcito.
Valenki, oh valenki, estás vieja y gastada (bis)
Oh, tú Kolya, 2 Kolya, Nikolai, siéntate en casa y no salgas
No vayas al final de la calle, y no le des anillos a las chicas.
Valenki, oh valenki, estás vieja y gastada.
En lugar de traer regalos, será mejor que arregles tu valenki
Valenki, oh valenki, estás vieja y gastada (bis)
Dios y la gente son testigos de mi amor.
Fui descalza por la escarcha a mi amor.
Valenki, oh valenki, estás vieja y gastada.
Valenki valenki

cpe3.1928. BOLERO.

En RTVE.es

Ravel. Francia. adt. G. folEu. Instrumental.

Partituras para diversos instrumentos en: https://www.tocapartituras. com/2012/01/el-bolero-de-ravel-partitura-para.html. Partit algo lenta y facilitada con audio en: youtube.com/watch?v=Wo7vAlIGsCc.

Videos: Interpretación de la Filarmónica de Viena en el Festival de Lucerna 2010, dirigida por Dudamel: https://www.youtube.com/watch?v=mhhkGyJ092E. Flashmob en el Metro de Bilbao por un grupo de la Orquesta del País Vasco (a partir de 0’55”) y al final por toda la Orquesta: youtube.com/watch?v=In59Nt_duiE.

Vix con audios, videos, datos, partitura, historia, ballet, versiones…: http://andariegamusical.wix.com/bolero-de-ravel.
Sugerencias de actividades didácticas (seguramente, del primer video) elegiremos sólo alguna de ellas que nos parezcan más adecuadas) https://ineverycrea.net/comunidad/ineverycrea/recurso/actividades-de-educacion-musical-bolero-de-ravel/42761934-fa10-4997-a606-68e433e6bc02.

Video dibujos animados, trabajo del taller de Bellas Artes de la Universidad Federal de Minas Gerais. Las notas toman vida y nos van mostrando los diferentes instrumentos que intervienen: https://www.youtube.com/watch?time_continue=7&v=iOcu7GD8pcE. 

Boléro, película protagonizada por Carole Lombard y George Raft que realizó la Paramount en 1934 y en la que la música, nos podemos imaginar cuál era la obra utilizada, tenía un papel fundamental. El éxito fue imparable. El Bolero pese a la opinión de Ravel se convirtió, en un heat: youtube.com/watch?v=_wg47cf11yc&feature=player_embedded.

Bolero (en francés Boléro)? es una obra musical creada por el compositor francés Maurice Ravel en 1928 y estrenada en la Ópera Garnier de París el 22 de noviembre de ese mismo año. Bolero compuesto y dedicado a la bailarina Ida Rubinstein, su inmediato éxito y rápida difusión universal lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX.
Movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva —un ostinato— en do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a MI mayor y una coda estruendosa.
Pese a que Ravel dijo que consideraba la obra como un simple estudio de orquestación, el Boléro esconde una gran originalidad, y en su versión de concierto ha llegado a ser una de las obras musicales más interpretadas en todo el mundo, al punto de que hasta el año 1993 permanecía en el primer lugar de la clasificación mundial de derechos de la “Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique” De la introducción del artículo https://es.wikipedia.org/wiki/Bolero_(Ravel). Allí encontrarán una exhaustiva información sobre la obra:
1- Historia – Contexto – Concepción - Estreno y primeras interpretaciones - Ravel y el éxito de su obra.
2.- La música: El ritmo - El tempo - La melodía - La orquestación - Guía de escucha.
3.- Posteridad: Coreografías - El Boléro en la cultura popular: música, cine, tv, deportes–derechos de autor- manuscrito – controversias – grabaciones célebres.
4.- Referencias – Bibliografía - Notas.

Portada de uno de los muchos discos

cpe3.1933. CONCIERTO DE ARANJUEZ. Joaquín Rodrigo. España. adt. eva. G. folEu. Instrumental.

Partitura del adagio con algunas variaciones: youtube.com/watch?v=iWBGa0yzlZk. Otra partitura: https://www.youtube.com/watch?v=4IYgpBCh8BU.

Video interpretado por Paco de Lucia: youtube.com/watch?v=e9RS4biqyAc. Todo el Concierto: youtu.be/hxbDLnaAvAE.  Audio extractado del Adagio: https://www.youtube.com/watch?v=VRKUoU55Ghc.

Más datos en: wikipedia.org/wiki/ Concierto_de_Aranjuez.


Una de las obras por la que la Sociedad General de Autores de España recauda más derechos de autor es el célebre "Concierto de Aranjuez", original del maestro Joaquín Rodrigo… El compositor levantino, nacido en Sagunto… se encontraba en 1928 en París cursando estudios con Paul Dukas, cuando conoció a una joven colega, pianista, profesora de origen turco, Victoria Kamhi.  Contrajeron matrimonio cinco años después, en Valencia.
Vicky, como él la llamaba, era toda dulzura y admiración hacia su marido, al que acompañaba en todo momento, siendo su lazarillo en todos los sentidos. Y su más estrecha colaboradora musical. Joaquín Rodrigo quedó ciego a los tres años a consecuencia de la difteria… La carencia de visión no fue obstáculo para que se mostrara normalmente abierto a la gente, sencillo, afable… siempre con una sonrisa. ¿Por qué sonríen así los ciegos, qué les mueve a ello? El propio maestro, lo explicaba así: "A pesar de mis gafas oscuras, tengo un rostro expresivo y lleno de vida, abierto a la sonrisa. Han dicho que río con facilidad, casi de continuo. He sido optimista… No he vivido nunca en la oscuridad porque Victoria estuvo siempre a mi lado y ella fue "mi transcriptora de luces y paisajes"…
"Perduran en mi memoria los largos paseos junto a Vicky, recién casados, por la ribera del Tajo. Era 1933 y era tiempo de felicidad. Las vivencias perduran a lo largo del tiempo y se enriquecen mucho antes de que les demos forma, expresión… Así, años después, brotó mi concierto". En una cena el concertista de guitarra Regino Sáinz de la Maza le pidió a Joaquín Rodrigo que le compusiera un concierto para guitarra y orquesta, con el fin de estrenarlo él, naturalmente. Y un año más tarde el maestro compositor cumplió su palabra, dándose a conocer su extraordinaria obra el 9 de noviembre de 1940 en el Palacio de la Música de Barcelona. Con Regino Sáinz de la Maza como solista, por supuesto, y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad Condal.
El "Concierto de Aranjuez" está considerado como el más difundido en su género dentro y fuera de España; a destacar su tan escuchadísimo "Adagio", que incluso sirvió para que un cantante melódico-pop, el francés Richard Anthony, lo adaptara como balada romántica, con una letra adherida, que en la versión española era original de Alfredo García Segura, colaborador habitual del maestro Rodrigo. Los jóvenes que entonces desconocieran el monumental "Concierto", tuvieron al menos constancia de su segundo tiempo, ese "diálogo elegíaco entre la guitarra y los instrumentos solistas".
Se quejaba después el maestro de que siempre le preguntáramos los periodistas por ese "Concierto" y aún aceptando que eso mismo sucedía en general con el público, nos repetía que era asimismo autor de otras obras suyas que consideraba de suficiente calidad e importancia. Caso, por ejemplo, de "Fantasía para un gentilhombre". Pero popularmente ninguna alcanzó el éxito de la citada en primer término…
Fue muy duro para el maestro enviudar en 1997. Le quedaban dos años de vida. Siguió tocando el piano. Hablaba mucho con sus nietos. La radio le servía de distracción muy a menudo. Lamentaba que, al no disponer de visión, sufría desasosiegos por no ver personas, paisajes, o ir al cine, que le gustaba mucho… Al final, admitía no obstante: "La ceguera no me ha producido desaliento. La vida ha sido generosa conmigo". (Extractado del escrito de Manuel Román en
https://www.libertaddigital.com/cultura/musica/2015-07-05/joaquin-rodrigo-compuso-el-concierto-de-aranjuez-por-amor-a-su-esposa-1276552076/).

cpe3.1936. DANZA DE

Por la calle de Alcalá.blogspot.com

LOS CABALLEROS. S Prokófiev. Rusia. eva. M/G. folEu. Ballet.

Partitura con audio:   youtube.com/watch?v=ZIiVkGfJm7E

Video con la guía subtitulada: https://www.youtube.com/watch?v=ZzwELFfdJb4. Montaje con la melodía más lenta:
https://www.youtube.com/watch?v=ba1PMHG_LK8. Sugerencias para acompañar con percusión corporal: youtube.com/watch?v=JtjwWc_omFA. 
Musicograma de la danza: https://www.youtube.com/watch?v=dmwBptx3Cos.
Música instrumental para princesas, dragones y caballeros:
https://www.youtube.com/watch?v=_wZdBq02uL0.

Más datos: http://lecturaymusicaparaelalma.blogspot.com.uy/2013/09/la-danza-de-los-caballeros-lo-mejor-del.html.

La Danza de los Caballeros es uno de los números musicales de Romeo y Julieta, ballet en cuatro actos del compositor ruso Serguei Prokofiev. Compuesto entre los años 1935-36... Romeo y Julieta es el primer intento por escribir un ballet de gran aliento, que habrá de convertirse en una de las grandes obras maestras del compositor y, a través de las tres suites extraídas de la partitura coreográfica, en una de sus obras más populares.
Una variante audaz
En 1935, las autoridades de Leningrado habían puesto el grito en el cielo a propósito de las últimas entregas de Shostakovich y otros "modernistas degenerados", como los calificó Pravda... Si a ello se suman las dificultades que, rítmicamente, presentaba la obra a los bailarines, no es de extrañar que la premiére fuera pospuesta una y otra vez. Finalmente, va a ser estrenada en Brno, Checoslovaquia, en 1938. Prokofiev no podrá asistir, debido a las restricciones de salida.
Las suites
Como era lo habitual, y también debido a las dilaciones del estreno, el compositor extrajo tres suites orquestales de la obra coreográfica. Antes del estreno del ballet completo, su música pudo escucharse en Moscú y Estados Unidos, proveniente de las tres suites, sobre todo la No 2, que contiene la pieza titulada Montescos y Capuletos, de cuyas dos secciones la principal es la Danza de los Caballeros...
Danza de los Caballeros
El ballet contiene 52 números de danza. La Danza de los Caballeros es la pieza número 13, y con extensión de poco más de cinco minutos, hace aparición en la segunda escena del primer acto. Marcada allegro pesante, se supone que representa la odiosidad que alimenta a Montescos y Capuletos, y presagia la fatalidad que caerá sobre ellos. Con abundante presencia en series de televisión, publicidad, y ampliamente difundida gracias a arreglos de bandas rockeras, la pieza también acompaña, curiosamente, a un club de fútbol inglés de segunda división en su entrada al campo de juego. Prokofiev tenía en alta estima la obra, pero jamás imaginó que veríamos a jugadores de fútbol pisar el pasto a los sones de su ballet. https://labellezadeescuchar.blogspot.com/2018/02/s-prokofiev-danza-de-los-caballeros.html.

captura de pantalla

cpe3.1950.DANZAS DE MARINEROS. Ballet Igor Moyseev. Rusia. 2013. eva. M/G. FolEu. Instrum.

De la Gala celebrando los 70 años del ballet: youtube.com/watch? v = HIyt9qtvvhI. 
Otras interpretaciones: Danza Rusa “Verano”, en el sorteo de la copa Mundial de fútbol en 2018: https://vimeo.com/245437514. Baile ucraniano "Gopak" en el festival de gimnasia rítmica infantil "Alina": https://www.youtube.com/watch?v=b7JLbpCiC8g. Entrevistas y actuaciones geniales: actualidad.rt.com/ programas/especial/171524-ballet-moiseyev-fascinacion-genio-rusia. Muchas fotos. https://www.alamy.com/stock-photo/igor-moiseyev.html.

La danza de los marineros rusos "Iáblochko" pertenece a la Suite de Reinhold Gliere llamada " La amapola roja", compuesta a mediados del siglo XX y tuvo varias coreografías diferentes. La de este Ballet es muy buena.
Excepcional crítica de su actuación en México: 20minutos.com.mx/noticia/ b77206/se-lleva-el-ballet-de-igor-moiseyev-el-corazon-de-mexico-a-rusia/.

El Moiseyev Ballet es un conjunto de bailes folclóricos muy conocido y querido, que ha desempeñado un papel importante en el establecimiento de los lazos culturales internacionales de Rusia desde su creación en 1943. Sus bailarines están bajo presión constante para hacer justicia al legado de su fundador visionario, Igor Moiseyev, y para seguir demostrando el liderazgo del Ballet entre los grupos de danza folclórica del mundo. Se someten a ensayos agotadores y tienen que aceptar la inevitabilidad de las lesiones y los problemas de salud, todo en nombre del arte. Sin embargo, siempre están tratando de alcanzar la perfección, sin importar el costo. Ellos dan todo al baile y, a diferencia del ballet clásico, están preparados para compartir la fama entre sí, en lugar de destacarse como bailarines principales. (De la información del video)
Más datos en: https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%8Dgor_Mois%C3%A9yev.

cpe3.1961. AMÉRICA.

America, en popcult.blog.jpg

West Side Story. L Bernstein. USA. Eva. G. musical. folAm.

Partitura de "América," sólo 1 pg, musicnotes.com /sheetmusic/mtd.asp?ppn=MN0104906. Partitura completa: jellynote.com/es/partitura-canto/leonard-bernstein/ west-side-story-america. Partitura de Maria, https://www.youtube.com/watch?v=uSED7AOkw5o. Versión para coros:   https://www.eke.eus/es/kultura/musica-y-cancion-vascas/fondos-de-partituras-vascas-de-joseph-maris/maria_%20west_side_story.

Video “América” del film subtit en español: https://www.youtube.com/watch?v=YhSKk-cvblc. "María", grabada en español, Madrid 2018: youtube.com/ watch?v=HfSodxAPCzM. María, la versión del film original: youtube.com/watch?v=qi9azbxRwYE. 

Más información: https://es.wikipedia.org/wiki/West_Side_Story_(musical).

Desde la primera nota hasta el último suspiro, West Side Story es uno de los musicales más importantes y representativos del teatro universal. La partitura a cargo de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim es unánimemente reconocida como una de las mejores en la historia de los musicales. El texto de Arthur Laurens continúa siendo tan conmovedor y actual como el primer día y las coreografías originales de Jerome Robbins ocupan un lugar de honor en la leyenda del baile contemporáneo. De su mano, la más grande historia de amor toma las calles de Broadway para convertirse en uno de los hitos del teatro musical de todos los tiempos.
En West Side Story, en donde dos jóvenes enamorados se ven atrapados por el enfrentamiento entre dos bandas callejeras, los “Americanos” Jets y los Puertorriqueños Sharks. (https://www.westsidestory.es/sinopsis/).
Imprescindible leer, aunque sea un poco largo, el análisis de: http://www.lahuelladigital.com/west-side-story-un-musical-lleno-de-senales/. 

A pesar de ser una versión contemporánea de “Romeo y Julieta” situado en la ciudad de Nueva York, del s.XX y cambiando a Montescos y Capuletos por americanos y portorriqueños, Arthur Laurens centra la acción en la lucha de ambas colectividades por sobrevivir en un ambiente de odio, violencia y prejuicios dando forma a una de las historias más emocionantes, desgarradoras, bellas y relevantes del teatro musical. Que reflejan un problema social y racial que incluye elementos como la corrupción y el racismo policial y el papel de la mujer.

MELODIAS CLASICAS EN LOS 2 BLOGS ANTERIORES

Para ir a todos los datos de la melodía que nos interese, hacer clic en su referencia abreviada en color

MELODIAS CLÁSICAS EN EL PRIMER BLOG
adT103.LOS PATINADORES.Walteufel.París.1882.Adt.M/G.Instrum.
adT111.SINF Nuevo MUNDO, 2º mov lªp. A Dvorak.Chequia.1893.Adt.M/G.Instrum
adT114.LA DONA E MÓBILE.Giuseppe Verdi.Italia.1851.AdT.G.Sentim
aft106. 9ª SINF-ESCUCHA HERMANO.Beethov-Rios.Alem-Esp.1969.Aft.T.Sentim
aft210. ADESTE FIDELES.Anónimo.Portugal.1640.Aft.G.Navidad
bca208.BACH AFRICA-SANKANDA.Lambaren.Gabón.1993.Eva.G.Mezcla
cpe101a.ESCUCHANDO CON LA IMAGINACIÓN. M J Camino. España. 2011. Doc.
cpe101b.AUDICIÓN LENGUAJE MEMORIA. Pilar Camacho. España. 1999. Doc.
cpe102. 1812, OBERTURA. Chaikovski. Rusia. 1880. EVA. G. Clásica. HªEuropa
cpe103. ADAGIO DE ALBINONI. Remo Giazzotto. Italia. 1945. Aft. G. Clásica. Inst.
cpe104. ALELUYA, Häendel. Y VENEZUELA. Coro y Orq sinf infantil. Montalbán.
cpe104b.ALELUYA, Häendel. Alemania. 1741. Adt. G. Clás. Coral.
cpe105. ARIA EN SOL SUITE 3. Bach. Alemania. 1723. adt. G. Clásica. Instrum.
cpe106. ASTURIAS. Albéniz-J Williams. 1900?. España. EVA. G. Clásica. Instrum.
cpe107. CANON. Pachelbel. 1680. Alemania. Adt. G. Clásica. Canon.
cpe108. CANTATA 147-10. Bach. Alemania. 1723. Adt. G. Clásica. Instrum.
cpe109. CARMEN, TOREADOR y HABANERA. Bizet. Francia.1875. AdT. G. Ópera.
cpe110. CHORO Nº 1, guitarra. Heitor Villalobos. Brasil. 1920. EVA. G. Clásica. In.
cpe111. CONCIERTO EN RE op35. Chaikovsky. Film Le concert. EVA. G. Clás. Instr.
cpe112. DANZON n° 2. Márquez. México. EVA. G. Instrum. Orq Nac Simón Bolívar.
cpe113. EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES. Saint Säens. Francia. 1886. Fdt. T?. Ins.
cpe114. EL RELOJ SINCOPADO. Leroy Anderson. USA. 1945. EVA. T. Humor.
cpe115. EL MOLDAVA. Bedrich Smetana. Chequia. 1882. Aft. M/G. Instrum.
cpe116. EL VUELO DEL MOSCARDÓN. Rimsky Korsakoff. Rusia. 1900. EVA. T. Instr.
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fdt302b.BARCAROLA, fragmento. Offenbach. Francia.1881.Fdt.M/G.Aprend
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vva209. DUO DE LOS GATOS. Rossini. Italia.?.EVA.T?.Humor
vva210. PATÉTICA Y CLARO DE LUNA.Mr Bean- Beeth.Gr Breta.1979.EVA.T.Humor
vva211. DANZA HUNGARA nº 5. Brahms. Alemania.1940.EVA.T.Humor
vva220. MOZART EN LA OFICINA. ¿. ¿. 2009.Eva.M/G.Humor
vva222. PEQUEÑA MUSICA DEL MUNDO.G MoCarta.Polonia.2010.Eva.M/G.humor
vva225. QUINTA SINFONÍA EN SALSA.B-Jonner.Varios.2009.AdT.G.instrum
vva226. QUINTA SINF. Y MAMBO. Miyawaga. Japón.2009.Eva.G.instrum
vva231. TRIKKANON. Mozart. Austria. ?.EVA.M/G.Canon.

MELODIAS CLÁSICAS EN EL SEGUNDO BLOG
cpe201. 400aC. CAMPANAS DE BRONCE. Marqués Yi. China. Eva. FolAsia. Instrum.
cpe202. Siglo I. EPITAFIO DE SEIKILOS. Anónimo. Grecia. aft. Eva. Clásica. Historia.
cpe203. Ed Media. DANZA DÓRICA. Anónimo. ¿. ¿. Aft. Gr. Clásica. Instrum.
cpe204. SXIII. DIES IRAE. Tomás de Cedlano. Italia. G. Gregoriano. Sentim.
cpe205. sXIII. STRELA DO DIA. Cantigas de Santa Maria. Galicia. Aft. G. Medieval. Sentim.
cpe206. Medieval. ST PATRICK ANDRO. Anónimo. Bretaña. Tradic. Fdt. G. Danza. Popular.
cpe207. 2004. ELFEN LIED, LILIUM. Konishi y Kondo. Japón. Adt. G. Medieval. Sentim.
cpe208. 1936. O FORTUNA. Carmina burana. Carl Off. Alemania. Fdt (5 son). G. Med.Sentim.
cpe209. ROMANCE ANÓNIMO. Desconocido. España. Aft. M/G. FolEu. Instrum.
cpe210. 1705. TOCATA Y FUGA EN RE. Bach. Alemania. Eva. Clásica. Apreciac.
cpe211. 1705. ZARABANDA. Häendel. Alemania. Adt. G. clásica. Danza.
cpe212. 1717?. BOURRÉE EN mi. JS Bach. versión rock Jethro Tull. Adt.
cpe213. 1717. MÚSICA ACUÁTICA. Haendel. Alemania. 
cpe214. 1725. OTOÑO, 4 estac. Vivaldi. Italia. aft. M/G. clásica. Instr.
cpe215. 1725. AVE MARIA. FSchubert. Alemania. Eva. Clásica. vocal.
cpe216. 1780?. RONDEAU A LA TURCA. Mozart. Austria. Eva. G. Marcha. Instrum.
cpe217. 1791. CONC CLARINETE Y ORQUESTA. Mozart. Austria. Eva. G. Clásica. Instrum.
cpe218  1860. ORFEO EN LOS INFIERNOS. Obertura. Binder. Austria. Fdt. M/G. Clásica. Inst
cpe219. 1867. PARA ELISA. Beethoven. Richard Clayderman. Adt. M/G. Clásica. Instrum.
cpe220. 1874. EL MURCIÉLAGO, obertura. Johan Strauss. Austria. Eva. Clásica. Instrum.
cpe221. 1875. LA MAÑANA. Grieg. Suecia. Fdt. T. Clásica. Instrumental. 
cpe222. 1877. LAGO DE LOS CISNES. Chaikovsky. Rusia. Adt. G. Clásica. Danza.
cpe223. 1888. SINFONIA 1. Mahler. Chekia. Eva. G. Clásica. Instrum.
cpe224. sXX. TARAREANDO A BACH. Bobby McFerrin. USA. ¿. M/G. Clásica. Instrum.
cpe225. S XX. GRANDES GUITARRISTAS CLÁSICOS.
cpe226. 1950. Papel de lija y la máquina de escribir. L Anderson.USA.Sinf.Instr. Hum.
cpe227. 1988?. MÚSICA EN TECLADO GIGANTE. Fao Schwartz. USA. EVA. Instrum.
cpe228. 2004. ORQ GUITARRAS. Barcelona. Eva. M/G. Varias. Varios.
cpe229. 2011. CUARTETO SALUT SALÓN. Alemania. Eva. M/G. Variada. Humor.
cpe230. sXXI. TARAREANDO. Andre Rieu. Maastrich, Holanda. M/G. Varios. Instrum. Popular.
cpe231. sXXI. FLASH MOBs. Varios autores. Var países. Var fechas. Eva.M/G. clásica. Instr.
cpe232. 1851. LA DONNA É MOBILE,Rigoletto. Verdi. Italia. Adt. G. Opera. Machista.
cpe233. 1853. LA TRAVIATA. G Verdi. Italia. Eva. M/G. Opera. Sentim.
cpe234. 1871. AIDA, Flashmob. Sinfónica Zurich. Suiza. 2013. Eva. Opera. Instrumental.
cpe235. 1918. O MIO BABBINO CARO. Puccini. Italia. Aft. M/G. Clásica. Amores.
cpe236. 1924. NESSUN DORMA, Puccini. Italia. Eva. G. ópera. Sentim.
cpe237. OTROS GRANDES EXITOS OPERÍSTICOS.
cpe238. HISTORIA de la música OCCIDENTAL, lecciones ilustradas.
cpe239. HISTORIA de la MUSICA con HUMOR - B Vocal. 2012.
cpe240. Música en la LITERATURA.
cpe241. MUSICOTERAPIA, MÚSICA PARA CURAR. 
cpe242. MÚSICA PARA SERENAR. 
cpe243. HUMOR Y cuarteto de Càmara. MozART group. Polonia. Varias. Eva. Instr. Humor.
Fdm121. CANCION DEL ADIOS. Escocia. Tradic. 1701. Aft. G. FolEu. Sentim.

Fdm125. GREENSLEEVES. Desconocido. GBretaña. Tradic. Adf. M/G. FolEu. Amores.

Fdm129. La feria de SCARBOROUGH. Anónimo. G Bretaña. Tradic. Aft. G. FolEu. Sentim. Fdm130. AKAI HANA. Anónimo. Japón. Tradic. aft. M/G. FolAs.